Jazz

Article

February 7, 2023

Jazz to styl muzyczny zrodzony w Nowym Orleanie (Luizjana, USA) na początku XX wieku, który łączy rytm typowy dla Afroamerykanów w Stanach Zjednoczonych (głównie blues, ale także utwory do pracy, ragtime, piosenki „Minstrelsa” ) z oryginalnym instrumentarium i barwą zespołów ulicznych (trąbka, trąbka, klarnet, puzon, tuba, bas, bęben basowy i talerze). Kiedy te zespoły ustabilizowały się, zastąpiły tubę kontrabasem, bęben basowy i talerze perkusją, dodano też fortepian. W ten sposób powstał Original Dixieland Jass Band, biała grupa, która po raz pierwszy użyła słowa jazz w 1917 roku. Zarówno w odniesieniu do repertuaru, jak i instrumentacji, harmonii, a przede wszystkim improwizacji (charakterystyczna podstawa jazzu)ewoluowała, aż w latach 80. i 90. osiągnęła fuzję bardzo różnych stylów. Wraz z popularnymi piosenkami, operetkami i musicalami na Broadwayu, od 1920 roku jazz zawierał kompozycje specjalnie przeznaczone do wykonywania przez te zespoły. Styl tzw. „Chicago” – czyli hot jazz – wzbogacił improwizacje i wprowadził nowe instrumenty, takie jak saksofon (głównie tenorowy i altowy), gitara i skrzypce. Inne instrumenty, które zostały włączone to wibrafon, saksofony barytonowe i sopranowe, flet, organy i różne rodzaje perkusji (conga lub tombadora, bongosy). Podobnie śpiewacy, tak ważni od początków bluesa, przyjęli nowy język i od lat 30. dołączyli do jazzu.Inną charakterystyczną cechą tego gatunku są jam-sesje, spotkania muzyków na zakończenie koncertów, w których wszyscy instrumentaliści improwizują z melodii. Na przełomie lat 20. i 1945 triumfował tak zwany styl swingowy, wykonywany przez duże orkiestry (Big Bandy) liczące od dwunastu do czternastu instrumentalistów. Sposoby improwizacji, zbliżające je niemal do awangardy, a także rodzaj brzmienia . Bop jest podstawą tego, co powszechnie określa się mianem nowoczesnego jazzu, w przeciwieństwie do głównego nurtu, bardziej klasycznego, który do dziś jest wykonywany bez przerwy. Wśród pochodnych bopa znajdziemy fajny, także styl west coast, hard bop, trzeci strumień i wreszcie free-jazz,w której nie ma żadnego schematu melodycznego czy harmonicznego, a liczy się tylko barwa, eksperymenty z instrumentami i nieciągłość rytmiczną.Od końca lat 60. do dziś jazz nie przestał mieszać się z innymi gatunkami, takimi jak rock, jazz rock lub funky (nude jazz), który często nazywany jest trendem fusion.

Charakterystyka

Od samego początku jazz rozgałęził się na wiele pod-stylów, przez co trudno jest stworzyć jeden opis, który pasowałby do nich wszystkich z absolutną niezawodnością. Można jednak dokonać pewnych uogólnień, pamiętając, że we wszystkich przypadkach są wyjątki. Wykonawcy jazzowi improwizują w konwencjach wybranego przez siebie stylu. Generalnie improwizacji towarzyszy sekwencja powtarzanych akordów popularnej piosenki lub oryginalnej kompozycji. Instrumentaliści naśladują czarne style wokalne (nawet użycie przeciąganych dźwięków z jednej nuty na drugą), niewielkie zmiany wysokości tonu, w tym tzw. strojenie),i efekty dźwiękowe (takie jak stękania i jęki), które charakteryzują się nieustannym włączaniem w tekst nutowy omdleń (akcenty pojawiają się w nieoczekiwanych momentach taktu), a także swingiem, unikalnym rytmicznym pulsem jazzu, który manifestuje się w złożonych relacjach między długimi i krótkimi nutami. Pisemne partytury, jeśli istnieją, służą jedynie jako przewodnik po strukturze, w której odbywa się improwizacja. Typowa instrumentacja zaczyna się od sekcji rytmicznej, składającej się z fortepianu, kontrabasu, perkusji i opcjonalnej gitary, do której można dodać instrumenty dęte. W big bandach, instrumentach dętychSą one podzielone na trzy sekcje: saksofony, puzony i trąbki.Chociaż istnieją wyjątki w niektórych stylach podrzędnych, jazz zasadniczo opiera się na dostosowywaniu nieskończonych melodii do określonych progresji określonych akordów. Muzyk improwizuje nowe melodie, które dostosowują się do progresji akordów, a te są powtarzane tyle razy, ile chcesz, ile razy dołącza do nich każdy nowy solista. Z których są bardzo różne, są dwie struktury, które są najczęściej używane w ich tematach. Jedną z nich jest forma chórów pieśni ludowych AABA, która składa się z 32 taktów podzielonych na cztery odcinki po osiem taktów każdy: odcinek A, powtórzenie odcinka A, odcinek B (most, który zwykle rozpoczyna się w nowej tonacji),i powtórzenie sekcji A. Druga forma ma głębokie korzenie w muzyce ludowej amerykańskiej czarnej społeczności: 12-taktowy blues. W przeciwieństwie do 32-taktowej formy w ABBA, blues ma prawie jednolitą progresję akordów.

Początki

Jazz ma swoje korzenie w muzycznym eklektyzmie Afroamerykanów. W tej tradycji przetrwały odciski muzyki zachodnioafrykańskiej, muzyczne formy czarnej społeczności Nowego Świata, europejska muzyka popularna i klasyczna XVIII i XIX wieku, a także późniejsze popularne formy muzyczne, które wpłynęły na czarną muzykę lub które są dzieła czarnych kompozytorów. Wśród cech afrykańskich wyróżniają się style wokalne, które wyróżniają się dużą swobodą wokalnego zabarwienia, tradycją improwizacji, prowadzenia pytań i odpowiedzi oraz złożonością rytmiczną, zarówno w zbliżeniu poszczególnych linii melodycznych, jak i w zetknięciu się ze sobą kompleksów. różnych członków zbioru. Inne formy muzyki afroamerykańskiej obejmują piosenki, które towarzyszyły utworowi, kołysanki ichoć później pieśni duchowe i blues.Muzyka europejska nadała specyficzne style i formy: hymny, marsze, walce, gangi i inna muzyka taneczna, teatr, opera włoska, a także elementy teoretyczne - zwłaszcza 'harmonia-, słownictwo akordowe oraz związek z formą muzyczną.Wśród czarnych elementów muzyki popularnej, które przyczyniły się do rozwoju jazzu, jest muzyka niewolników banjo), synkopowane rytmy z muzyką latynoamerykańską (słyszane w miastach na południu Stanów Zjednoczonych) , style pianistyczne od muzyków z tawern ze Środkowego Zachodu oraz marsze i zespoły black metalowe pod koniec XIX wieku.W tamtych latach pojawił się inny gatunek, który wywarł potężny wpływ: ragtime. Była to muzyka, która łączyła wiele elementów, w tym rytmy synkopowane (wywodzące się z muzyki banjo i innych czarnych źródeł) oraz kontrasty harmoniczne i wzory formalne marszów europejskich. Od 1910 roku dyrygent William Christopher Handy przyjął inną formę, bluesa, i wyszedł poza dotychczasową tradycję – ściśle ustną – wydając swój oryginalny blues w swojej założycielskiej wytwórni płytowej w 1917 r. w Nowym Jorku. W rękach muzyków jazzowych ich blues znalazł w latach 20. jednego z ich najlepszych wykonawców: piosenkarkę Bessie Smith, która wiele z nich nagrała.te wielorakie wpływy na jazz są trudne do zrekonstruowania, ponieważ miało to miejsce, zanim fonograf mógł dostarczyć wiarygodnych dowodów.

Historia

Większość dawnej muzyki jazzowej była wykonywana w małych zespołach marszowych lub grana przez solistów. Oprócz ragtime i marszów w repertuarze znalazły się hymny, spirituals i blues. Zespoły grały tę muzykę, modyfikując ją poprzez omdlenia i przyspieszenia, na imprezach wiejskich, weselach, paradach i pogrzebach. Typowe dla zespołów było granie smutnych piosenek w drodze na pogrzeby i radosnych marszów po powrocie. Chociaż blues i ragtime powstały niezależnie od jazzu i współistniały z nim, wpłynęły na jego styl i maniery oraz służyły jako ważny środek do improwizacji jazzowej.

Nowy Orlean Jazz

Na początku XX wieku pojawił się pierwszy udokumentowany styl jazzu, skoncentrowany na mieście Nowy Orlean w Luizjanie. W tym stylu trąbka lub trąbka przenosiły ciężar melodii, klarnet grał kwieciste kontrmelodie, a puzon grał rytmiczne dźwięki, wybrzmiewając jednocześnie kluczowe nuty akordów lub prostą harmonię. Za tym podstawowym trio tuba lub kontrabas grały linię basu, a perkusja rytmiczny akompaniament. Wybuch i głośność były ważniejsze niż delikatność: improwizacja skupiona na brzmieniu zespołu.Muzyk Buddy Bolden wydaje się być architektem pierwszych zespołów jazzowych, ale jego muzyka i brzmienie giną.O ile w nielicznych prymitywnych nagraniach na płytach widać pewne wpływy jazzowe, pierwsze nagranie zespołu jazzowego musiało poczekać do 1917 roku. Zespół ten, grupa białych muzyków z Nowego Orleanu, który nazwał Original Dixieland Jass Band, był odniosła ogromny sukces zarówno w Stanach Zjednoczonych, jak i na arenie międzynarodowej (określeniem dixieland miało być później określenie stylu nowoorleańskiego wykonywanego przez białych muzyków). Potem pojawiły się dwie wybitne grupy, jedna biała i jedna czarna: w 1922 New Orleans Rhythm Kings, aw 1923 Creole Jazz Band, ten ostatni kierowany przez kornecistę Joe Kinga Olivera. Nagrania dokonane przez grupę Olivera są najważniejszymi nagraniami stylu nowoorleańskiego. Inni wybitni muzycytrębacze Bunk Johnson i Freddie Keppard, saksofonista sopranowy Sidney Bechet, perkusista Warren Baby Dodds oraz pianista i autor tekstów Jelly Roll Morton. Jednak najbardziej wpływowym muzykiem w stylu nowoorleańskim był Louis Armstrong, druga trąbka Joe Kinga Olivera.

Wpływ Armstronga

Armstrong był pierwszym prawdziwym wirtuozem jazzu i niesamowitym improwizatorem, zarówno technicznie, emocjonalnie, jak i intelektualnie. Zmienił format jazzu i postawił na czele orkiestry solistę. Zespoły, z którymi nagrywał, Hot Five i Hot Seven, udowodniły, że improwizacja może być czymś więcej niż zwykłą ozdobą melodii, stworzył więc nowe wariacje oparte na akordach melodii. Stworzył też szkołę dla wszystkich późniejszych śpiewaków jazzowych, nie tylko poprzez zmianę słów i melodii piosenek, ale także improwizację bez słów, używając tylko głosu jako instrumentu (technika zwana śpiewem scat).

Chicago i Nowy Jork

Lata dwudzieste były dla jazzu czasem wielkich eksperymentów i licznych odkryć. Wielu muzyków z Nowego Orleanu, w tym sam Louis Armstrong, wyemigrowało do Chicago. Tam wywierali wpływ na lokalnych wykonawców i stymulowali ewolucję rozpoznawalnego stylu, wywodzącego się z Nowego Orleanu, ale akcentującego grę solistów i często dodając saksofon do orkiestracji. Ten podstyl charakteryzował się również bardziej zwartymi rytmami i bardziej złożonymi teksturami. Instrumenty, które działały w Chicago lub były pod wpływem stylu chicagowskiego, to puzon Jack Teagarden, wykonawca banjo Eddie Condon, perkusista Gene Krupa i klarnecista Benny Goodman. Bix Beiderbecke pracował również w Chicago.którego liryzm jako waltornisty był kontrapunktem dla stylu trąbkowego Armstronga. Wielu muzyków z Chicago osiedliło się później w Nowym Jorku, kolejnym ważnym centrum jazzu w latach 20. XX wieku.

fortepian jazzowy

Kolejnym ważnym elementem ewolucji jazzu w latach 20. była muzyka fortepianowa. Dzielnica Harlem w Nowym Jorku stała się centrum bardzo technicznego stylu, opartego na potężnych niepowodzeniach powodowanych przez lewą rękę pianisty (z bardzo rozbudowanymi improwizacjami) i można by go nazwać schodowym fortepianem. Nauczycielem tej szkoły na początku lat 20. był James P. Johnson, a jeden z jego uczniów, Fats Waller – utalentowany wokalista i showman – stał się najpopularniejszym wykonawcą tego stylu.Opracował drugi styl gry na fortepianie zwany boogie-woogie . Była to forma bluesa z bardzo wyraźnym basem, który lewa ręka powtarza raz za razem, podczas gdy prawa zmienia różne rytmy.Bugui-bugui stała się bardzo popularna w latach 30. i 40. Jej liderami są Meade Lux Lewis, Albert Ammons, Pete Johnson i Pine Top Smith.Jednym z najbardziej innowacyjnych pianistów lat 20., porównywalnym z Armstrongiem, był Earl Father Hines, wirtuoz, który studiował muzykę w Chicago i uważano, że posiada bujną i nieprzewidywalną wyobraźnię. Jego styl, w połączeniu z łagodniejszym podejściem Wallera, wywarł wpływ na większość pianistów nowej generacji, zwłaszcza Teddy'ego Wilsona, który współpracował z zespołem Goodmana w latach 30. oraz Art Tatum., który występował głównie jako solista i był podziwiany za wirtuozerię i jakość interpretacyjną.Albert Ammons, Pete Johnson i Pine Top Smith. Jednym z najbardziej innowacyjnych pianistów lat 20., o znaczeniu porównywalnym do pianisty Armstronga, był Earl Father Hines, wirtuoz, który studiował muzykę w Chicago. Uważał się za posiadacza żywiołowego i nieprzewidywalnego wyobraźnia. Jego styl, w połączeniu z łagodniejszym podejściem Wallera, wywarł wpływ na większość pianistów nowej generacji, zwłaszcza Teddy'ego Wilsona, który współpracował z zespołem Goodmana w latach 30. oraz Art Tatum., który występował głównie jako solista i był podziwiany za wirtuozerię i jakość interpretacyjną.Albert Ammons, Pete Johnson i Pine Top Smith. Jednym z najbardziej innowacyjnych pianistów lat 20., o znaczeniu porównywalnym do pianisty Armstronga, był Earl Father Hines, wirtuoz, który studiował muzykę w Chicago. Uważał się za posiadacza żywiołowego i nieprzewidywalnego wyobraźnia. Jego styl, w połączeniu z łagodniejszym podejściem Wallera, wywarł wpływ na większość pianistów nowej generacji, zwłaszcza Teddy'ego Wilsona, który współpracował z zespołem Goodmana w latach 30. oraz Art Tatum., który występował głównie jako solista i był podziwiany za wirtuozerię i jakość interpretacyjną.wirtuoz, który studiował muzykę w Chicago i uważano, że posiada bujną i nieprzewidywalną wyobraźnię. Jego styl, w połączeniu z łagodniejszym podejściem Wallera, wywarł wpływ na większość pianistów nowej generacji, zwłaszcza Teddy'ego Wilsona, który współpracował z zespołem Goodmana w latach 30. oraz Art Tatum., który występował głównie jako solista i był podziwiany za wirtuozerię i jakość interpretacyjną.wirtuoz, który studiował muzykę w Chicago i uważano, że posiada bujną i nieprzewidywalną wyobraźnię. Jego styl, w połączeniu z łagodniejszym podejściem Wallera, wywarł wpływ na większość pianistów nowej generacji, zwłaszcza Teddy'ego Wilsona, który współpracował z zespołem Goodmana w latach 30. oraz Art Tatum., który występował głównie jako solista i był podziwiany za wirtuozerię i jakość interpretacyjną.który występował głównie jako solista i był podziwiany za wirtuozerię i walory interpretacyjne.który występował głównie jako solista i był podziwiany za wirtuozerię i walory interpretacyjne.

Era big bandów

W latach dwudziestych istniały zespoły jazzowe, które zaczęły grać na wzór towarzystw tanecznych, tworząc tzw. big bandy. Były tak popularne w latach 30. i 40. XX wieku, że okres ten jest znany jako era swingu. Jednym z najważniejszych aspektów narodzin ery swingu była zmiana rytmu, która złagodziła dwusuwowe takty w stylu nowoorleańskim, używając bardziej płynnego, czterosuwowego beatu. Muzycy opracowali również wykorzystanie krótkich struktur melodycznych (zwanych riffami) z wytycznymi dotyczącymi pytań i odpowiedzi. Aby ułatwić ten zabieg, orkiestry zostały podzielone na sekcje instrumentalne, każda z własnymi riffami, dając muzykom możliwość grania solówek lub rozbudowanych improwizacji.Rozwój big bandów jako medium jazzowego był w dużej mierze zasługą Duke'a Ellingtona i Fletchera Hendersona. Henderson i jego aranżer Don Redman przyczynili się do wprowadzenia partytur do muzyki jazzowej, choć starali się też uchwycić improwizację, która charakteryzowała muzykę małych zespołów. Aby osiągnąć swoje cele, współpracowali z utalentowanymi solistami, takimi jak saksofonista tenorowy Coleman Hawkins, aż do swojej śmierci w 1974. Skomponował także kolorowe i eksperymentalne utwory koncertowe, o długości od trzech minut Koko (1940) do Black, Brown i beżowy (1943).jak również motywy Samotność i Wyrafinowana Pani. Muzyka Ellingtona, bardziej złożona niż Hendersona, uczyniła z jego orkiestry zespół z solówkami napisanymi specjalnie dla niektórych instrumentów i muzyków. Inne zespoły w tej samej tradycji, co Ellington i Henderson, prowadzili Jimmie Lunceford, Chick Webb i Cab Calloway. W tej samej linii, którą tworzyły wyłącznie kobiety, znajdujemy również orkiestrę Frances Carroll & The Coquettes. W latach trzydziestych w Kansas City rozwinął się inny styl jazzu dla big bandów, którego największym przedstawicielem był zespół Counta Basiego. Zespół Basiego jest odzwierciedleniem nacisku kładzionego na improwizację na południowym zachodzie Ameryki, zachowując przy tym stosunkowo krótkie i proste napisane (lub zapamiętane) fragmenty.Instrumenty dęte wymieniały się riffami zespołów i wchodziły w interakcję z dużymi dawkami rytmu i pauz, aby pomieścić obszerne instrumentalne solówki. Saksofonista tenorowy Lester Young grał głównie z rytmiczną swobodą, rzadko spotykaną w improwizacjach solistów z innych zespołów. Delikatność tonu Younga, jego płynne melodie, którym od czasu do czasu nadawał awangardowy akcent i rodzaj wysokiej gry głosu, otworzyłyby nową drogę, tak jak to się stało ze sposobem, w jaki grał Armstronga w latach 20. Inne postacie do szkoły pod koniec lat 30. uczęszczali trębacz Roy Eldridge, gitarzysta Charlie Christian, perkusista Kenny Clarke i wibrafonista Lionel Hampton. Śpiewacy jazzowi lat 30. stosowali formęinterpretować bardziej elastycznie i stylizować. Najwybitniejszymi postaciami byli Ivie Anderson, Mildred Bailey, Ella Fitzgerald, a przede wszystkim Billie Holiday.

Interakcja z muzyką popularną i kulturalną

Pionierskie wysiłki Armstronga, Ellingtona, Hendersona i innych muzyków sprawiły, że jazz miał dominujący wpływ na muzykę amerykańską w latach dwudziestych i trzydziestych. muzyka głównych wykonawców gatunku. Próbując połączyć jazz z muzyką rozrywkową, orkiestra Whitemana dokonała premiery utworów symfonicznych w stylu jazzowym amerykańskich kompozytorów, takich jak George Gershwin. Bliżej jazzowej tradycji improwizacji i solowej wirtuozerii była muzyka zespołów Benny'ego Goodmana (w których wykorzystano wiele aranżacji Hendersona).Gene Krupa i Harry James Od czasów ragtime kompozytorzy jazzowi podziwiali muzykę klasyczną. Różni muzycy z epoki swingowej ożywili klasykę na nagraniach, takich jak Bach Goes to Town (Benny Goodman) czy Ebony Rhapsody (Ellington i inni). Z kolei autorzy muzyki klasycznej oddali hołd jazzowi w utworach takich jak Contrasts (1938, na zamówienie Goodmana) węgierskiego Béli Bartóka czy Ebony Concerto (1945, pod dyrekcją orkiestry Woody'ego Hermana) Rosjanina Igora Strawińskiego. Inni kompozytorzy, tacy jak Amerykanin Aaron Copland i Francuz Darius Milhaud, również oddali hołd jazzowi w swoich utworach.W erze swingu klasyka ożywiła nagrania, takie jak Bach Goes to Town (Benny Goodman) czy Ebony Rhapsody (Ellington i inni). Z kolei autorzy muzyki klasycznej oddali hołd jazzowi w utworach takich jak Contrasts (1938, na zamówienie Goodmana) węgierskiego Béli Bartóka czy Ebony Concerto (1945, pod dyrekcją orkiestry Woody'ego Hermana) Rosjanina Igora Strawińskiego. Inni kompozytorzy, tacy jak Amerykanin Aaron Copland i Francuz Darius Milhaud, również oddali hołd jazzowi w swoich utworach.W erze swingu klasyka ożywiła nagrania, takie jak Bach Goes to Town (Benny Goodman) czy Ebony Rhapsody (Ellington i inni). Z kolei autorzy muzyki klasycznej oddali hołd jazzowi w utworach takich jak Contrasts (1938, na zamówienie Goodmana) węgierskiego Béli Bartóka czy Ebony Concerto (1945, pod dyrekcją orkiestry Woody'ego Hermana) Rosjanina Igora Strawińskiego. Inni kompozytorzy, tacy jak Amerykanin Aaron Copland i Francuz Darius Milhaud, również oddali hołd jazzowi w swoich utworach.Inni kompozytorzy, tacy jak Amerykanin Aaron Copland i Francuz Darius Milhaud, również oddali hołd jazzowi w swoich utworach.Inni kompozytorzy, tacy jak Amerykanin Aaron Copland i Francuz Darius Milhaud, również oddali hołd jazzowi w swoich utworach.

Lata 40. i okres powojenny

Jednym z najbardziej wpływowych muzyków jazzowych lat 40. był Charlie Parker, który stał się liderem nowego stylu znanego jako bebop, rebop czy bop. Podobnie jak Lester Young, Charlie Christian i inni wybitni soliści, Parker grał z dużymi zespołami. Jednak w czasie II wojny światowej gospodarka wojenna i zmiany gustów społecznych doprowadziły do ​​rozwiązania tych orkiestr. Ten upadek w połączeniu z radykalnie nowym stylem bebopu zrewolucjonizował świat jazzu. Bebop również opierał się na improwizacji na progresji akordów, ale jego tempo było szybsze, frazy dłuższe i bardziej złożone, a zakres emocjonalny szerszy, by zawierać mniej przyjemne doznania niż zwykle.Muzycy jazzowi stali się bardziej świadomi swoich zdolności ekspresyjnych jako artystów i starali się promować swoją sztukę poprzez dodanie wokalistów, tańców i komedii, tak jak to zrobili ich poprzednicy. W centrum tego procesu transformacji był Parker., który mógł zrobić wszystko z saksofon, w dowolnej szybkości i tonacji. Stworzył piękne melodie powiązane z akordami, ale w bardzo wyszukany sposób. Jego muzyka miała nieskończoną różnorodność rytmiczną. Częstymi współpracownikami Parkera byli trębacz Dizzy Gillespie, znany z niesamowitej szybkości i rejestru oraz sugestywnego zmysłu harmonii, pianista Earl Bud Powell i perkusista Max Roach, obaj liderzy na podstawie własnych zasług.Doceniono także pianistę-kompozytora Theloniusa Monka i trębacza Fatsa Navarro. Piosenkarka jazzowa Sarah Vaughan na początku swojej kariery była związana z muzykami bopowymi, zwłaszcza Gillespie i Parker.Pod koniec lat 40. nastąpiła eksplozja eksperymentalizmu w jazzie. Zmodernizowane big bandy doprowadziły do ​​rozkwitu artystów takich jak Gillespie i Stan Kenton, którzy pracowali razem z małymi grupami z innowacyjnymi muzykami, takimi jak pianista Lennie Tristano. Większość z tych grup czerpała swoje pomysły ze współczesnych utworów sygnowanych przez takich mistrzów jak Bartók i Strawiński. Najważniejsze eksperymenty połowy stulecia z jazzem pod wpływem muzyki kulturowej zostały podane w nagraniach z lat 1949-1950 dokonanych przez ucznia Parkera,młody trębacz Miles Davis. Aranżacje napisane przez Davisa i innych miały spokojne, ale barwne brzmienie i bardzo złożone harmonicznie. Wiele grup przyjęło ten fajny styl, zwłaszcza na zachodnim wybrzeżu Stanów Zjednoczonych. Wyrafinowany przez muzyków takich jak saksofoniści tenorowi Zoot Sims i Stan Getz oraz baryton Gerry Mulligan, kulminację cool jazzu nastąpił w latach 50., a saksofonista Paul Desmond zyskał popularność dzięki połączeniu muzyki kulturowej i jazzowej. Jednak większość muzyków, zwłaszcza na zachodnim wybrzeżu, nadal rozwijało najbardziej stymulującą tradycję bebopu. Wśród największych postaci hard bopu – stylu odziedziczonego po bebopie z lat 50. – jest trębacz Clifford Brown.Art Blakey perkusista i saksofonista tenorowy Sonny Rollins, jeden z największych talentów swojego pokolenia. Inną pochodną stylu Parkera byłby soul jazz, grany przez pianistę Horace'a Silvera, saksofonistę Cannonball Adderley i jego brata, waltornistę Nata Adderleya.

Późne lata 50. Lata 60. i 70.

W trzecim ćwierćwieczu XX wieku powstały nowe trendy w jazzie. Lata sześćdziesiąte rywalizowały z późnymi latami dwudziestymi i czterdziestymi jako jeden z najbardziej płodnych okresów w historii jazzu.

El jazz modal

W 1955 Miles Davis zorganizował kwintet z saksofonistą tenorowym Johnem Coltrane'em w swoich szeregach, którego podejście ostro kontrastowało z melodyjnymi liniami Davisa o pogodnym brzmieniu i ekspresji. Coltrane z szybkością i pasją wylewał strumienie dźwięków, eksplorując każdą komórkę melodyczną, nie robiąc nic z jej stopnia egzotyki. Ale grał także wolne ballady z pewnością siebie i pogodą ducha. W swoich solówkach ujawnił wyjątkowe wyczucie formy i czasu. W 1959 pojawił się na legendarnym albumie Milesa Davisa, Kind of Blue. Razem z pianistą Billem Evansem Davis skomponował na ten album grupę utworów, które należą do tej samej tonacji, z tym samym akordem i modalnością utrzymywaną za każdym razem przez 16 taktów.stąd nazwa modalny jazz – który był dla improwizatora dużą swobodą. Coltrane, zaprzeczając sobie, najpierw doprowadził złożoność bopu do ostatecznych konsekwencji w Giant Steps (1959), a następnie osiadł na drugim końcu, w modalnym jazzie. Ten ostatni styl dominował w jego repertuarze od 1960 roku, kiedy nagrał My Favorite Things w otwartej aranżacji. W skład kwartetu Coltrane'a wchodzili pianista McCoy Tyner i perkusista Elvin Jones, dwaj muzycy, którzy ze względu na swoje walory muzyczne byli bardzo naśladowani.Ten ostatni styl dominował w jego repertuarze od 1960 roku, kiedy nagrał My Favorite Things w otwartej aranżacji. W skład kwartetu Coltrane'a wchodzili pianista McCoy Tyner i perkusista Elvin Jones, dwaj muzycy, którzy ze względu na swoje walory muzyczne byli bardzo naśladowani.Ten ostatni styl dominował w jego repertuarze od 1960 roku, kiedy nagrał My Favorite Things w otwartej aranżacji. W skład kwartetu Coltrane'a wchodzili pianista McCoy Tyner i perkusista Elvin Jones, dwaj muzycy, którzy ze względu na swoje walory muzyczne byli bardzo naśladowani.

Ruchy trzeciego nurtu i awangarda

Innym produktem eksperymentów późnych lat pięćdziesiątych była próba kompozytora Gunthera Schullera, wraz z pianistą Johnem Lewisem i jego Modern Jazz Quartet, połączenia jazzu i muzyki klasycznej w trzeci strumień, łącząc muzyków z obu światów w repertuarze, który był karmiony przez techniki obu utworów, jego improwizacje oparte na progresji akordów. Jeszcze bardziej kontrowersyjna byłaby twórczość saksofonisty Ornette'a Colemana, którego niemal atonalne improwizacje tłumiły progresje akordów, zachowując przy tym charakterystyczny dla jazzu stały, rytmiczny swing.Podczas gdy brzmienie i surowa technika Colemana były niewygodne dla wielu krytyków, inni uznali dowcip, szczerość i dziwne wyczucie sposobu, w jaki scharakteryzowali swoje solówki. Zainspirował awangardową szkołę jazzową, która rozkwitła w latach 60. i 70., w skład której wchodził Art Ensemble of Chicago, klarnecista Jimmy Giuffre, pianista Cecil Taylor, a nawet Coltrane, którego zaryzykował awangardową improwizację w 1967, tuż przed śmiercią .pianisty Cecilowi ​​Taylorowi, a nawet Coltrane'owi, który w 1967 roku, tuż przed śmiercią, odważył się na awangardową improwizację.pianisty Cecilowi ​​Taylorowi, a nawet Coltrane'owi, który w 1967 roku, tuż przed śmiercią, odważył się na awangardową improwizację.

Rozwój mainstreamu

Tymczasem główny nurt jazzu lub mainstream, mimo że zawierał wiele pomysłów melodycznych Coltrane'a, a nawet niektóre elementy modalnego jazzu, nadal budował swoje improwizacje na progresjach akordów popularnych piosenek. Brazylijskie piosenki, zwłaszcza w stylu bossa novy, zdołały dołączyć do repertuaru wczesnych lat 60. Ich latynoskie rytmy i orzeźwiające progresje akordów przykuły uwagę muzyków jazzu kilku pokoleń, zwłaszcza Stana Getza i flecisty Herbiego Manna. Nawet po upadku bossa novy, samba utrzymała się w repertuarze jazzowym, a wiele grup wzbogaciło swoją perkusję o instrumenty karaibskie.Trio pianisty Billa Evansa dogłębnie wykonało pieśni ludowe, a muzycy nieustannie wchodzili w interakcje, zamiast czekać na swoją kolejkę na solówki. Ta interakcja została jeszcze bardziej zaakcentowana w sekcji rytmicznej kwintetu Davisa z 1963 r., kiedy w jej skład weszli perkusista Tony Williams, basista Ron Carter, pianista Herbie Hancock, a później saksofonista tenorowy Wayne Shorter.saksofonista tenorowy Wayne Shorter.saksofonista tenorowy Wayne Shorter.

Jazz fusion

Jazz przeszedł kryzys publiczności i sprzedaży w późnych latach 60. podniecenie większości współczesnego jazzu. Muzycy jazzowi zdali sobie sprawę, że aby odzyskać publiczność, muszą wydobyć pomysły z muzyki popularnej. Niektóre z nich wywodziły się z rocka, ale większość miałaby swoje korzenie w tanecznych rytmach i progresjach akordowych muzyków soulowych, takich jak James Brown. Niektóre grupy dodały również elementy muzyczne z innych kultur. Wczesne przykłady tego nowego fusion jazzu są nieco wymieszane z innymi pod-stylami, ale w 1970 roku Davis nagrał Bitches Brew, bardzo kochany album.sukces, który połączył soulowe rytmy i instrumenty elektroniczne z bezkompromisowym i bardzo dysonansowym jazzem. Nie powinno dziwić, że epigoni Davisa stworzyli jedne z najbardziej udanych płyt fusion lat 70.: Herbie Hancock, Wayne Shorter i austriacki pianista Joe Zawinul (dwóch ostatnich liderów zespołu Weather Report), gitarzysta. McLaughlin i genialny pianista Chick Korea ze swoją grupą Return to Forever. Ze swojej strony muzycy rockowi zaczęli włączać frazy jazzowe i solówki do rytmów rockowych. Wśród tych grup były Chicago i Blood, Sweat & Tears. W tym samym okresie inny uczeń Davisa, obrazoburczy pianista Keith Jarrett, osiągnął komercyjny sukces mieszając instrumenty elektroniczne i popularne style. Jego interpretacjepopularne standardy i oryginalne piosenki z kwartetem, a także solowe improwizacje na klawiszach uczyniły z niego najważniejszego współczesnego pianistę jazzowego.

Lata 80.

W połowie lat 80. artyści jazzowi ponownie używali szerokiej gamy stylów dla różnych odbiorców i ponownie pojawiło się zainteresowanie poważnym jazzem (w przeciwieństwie do jazzu zorientowanego na pop). Jednym z najbardziej zainteresowanych tym był trębacz Wynton Marsalis, znany również z wykonań muzyki klasycznej. Francuski klarnecista i kompozytor Jean-Christian Michel miesza jazz i muzykę sakralną.Chociaż jazz pozostał zasadniczo feudem amerykańskich muzyków, jego międzynarodowa publiczność rozkwitła do tego stopnia, że ​​muzycy z innych krajów tworzyli coraz ważniejszą podgrupę w jazzie w latach 70. i 80. Niektórzy jej poprzednicy to belgijski gitarzysta Django Reinhardt, francuski skrzypek Stéphane Grappelli,kompozytor z Nawarry Pedro Iturralde oraz kataloński pianista i kompozytor Tete Montoliu.

Wiodący muzycy

Na zamówienie kronologiczne: Nowy Orlean (Dixieland), Chicago (hot jazz): King Oliver, Louis Armstrong, Kid Ory, Sidney Bechet, Jelly Roll Morton, Johnny Dodds, Jimmie Noone Earl Hines, Fats Waller, Valaida Snow. Huśtawka 30: Fletcher Henderson, Coleman Hawkins, Benny Carter, Roy Eldridge, Duke Ellington, Dorothy Fields, Bubber Miley, Johnny Hodges, Lawrence Brown, Ben Webster, Ray Nance, Count Basie, Lester Young, Jo Jones, Ella Fitzgerald, Billie Holiday, Benny Goodman, Gene Krupa, Harry James, Lionel Hampton, Woody Herman, Art Tatum, Glenn Miller, Django Reinhardt, Nat King Cole, Charlie Christian, Erroll Garner, Dolly Jones, Ann Ronell, Lil Hardin Armstrong, „Sweet Emma Barrett, Mary Lou Williams. Be-bop, cool, jazz dels anys 50: Charlie Parker, Dizzy Gillespie, Thelonious Monk, Kenny Clarke, Max Roach, JJ Johnson,Miles Davis, Stan Getz, Gerry Mulligan, Chet Baker, Clifford Brown, Sarah Vaughan, Dexter Gordon, Clark Terry, Paul Gonsalves, Wes Montgomery, Sonny Rollins, John Coltrane, Charles Mingus, Bill Evans, Tete Montoliu, Cannonball Adderley, Art Blakey , Sonny Clark. Free jazz, fusion i latin jazz, tendencje darreres: Ornette Coleman, Archie Shepp, Sun Ra, Cecil Taylor, McCoy Tyner, Herbie Hancock, Chick Corea, Wayne Shorter, Jaco Pastorious, Keith Jarret, Ron Carter, Jack deJohnette, Pat Metheny, Lester Bowie, Jan Garbarek, Wynton Marsalis, Jean-Christian Michel, Terence Blanchard, David Murray, John Zorn, Don Byron, Theo Jörgensmann, Steve Coleman, Joshua Redman, James Carter, Diana Krall, Cassandra Wilson, Jordi Rossy, Poncho Sánchez, Chucho Valdés, Tito Puente, Carla Cook, Regina Carter, Nona Hendrix, Alice Coltrane, Abbey Lincoln, Eva Cassidy,Shirley Róg…

Taneczne rytmy XX wieku z wpływami jazzu

Bòston Jednoetapowy Fox-trot Xarleston Bugui-bugui Huśtawka Jive Lindy-hop Jitter-burg Jerry bug Twist Rock'n'roll Rumba-fox Mambo Bossa nova Filin Sos

Jazz w Katalonii

Katalonia była bramą do jazzu w południowej Europie. Od szalonych lat dwudziestych, z orkiestrami tanecznymi, aż do XXI wieku, z grupą muzyków jak nigdy dotąd, Katalonia stworzyła kluby, wytwórnie płytowe, festiwale i czołowe postacie o międzynarodowym znaczeniu, takie jak Tete Montoliu, Carles Benavent i Jordi Rossy , wśród wielu innych.

Dyrektorzy festiwali

Katalonia to kraina jazzu i skupia się tam wiele festiwali. Najważniejsze to: Terrassa Jazz Festival, zimą. Międzynarodowy Festiwal Dixieland w Tarragonie, tydzień przed Wielkanocą. Barcelona Jazz Festival, jesienią. Costa Brava Jazz Festival - Palafrugell w październiku.

Bibliografia

Bibliografia

Zobacz też

Lista męskich śpiewaków jazzowych. Jaç (magazyn wydawany przez Enderrock Group). Sedajazz (grupa muzyków jazzowych w Walencji).

Zewnętrzne linki

"Acid Jazz Hispano" Zgłoszony 2008-05-14 w Wayback Machine. JazzRadio: ponad 30 kanałów różnych strumieni; również aplikacja; umiarkowane kliny reklamowe.

Original article in Catalan language