Kompozytor

Article

January 30, 2023

Kompozytor (łac. compōnō; dosłownie „ten, który składa w całość”) to osoba, która tworzy muzykę, zwłaszcza klasyczną w dowolnej formie, w tym muzykę wokalną (dla śpiewaka lub chóru), muzykę instrumentalną, muzykę elektroniczną i muzykę, która łączy w sobie wiele formularze. Kompozytor może tworzyć muzykę w dowolnym gatunku muzycznym, w tym np. muzykę klasyczną, teatr muzyczny, blues, muzykę ludową, jazz, muzykę popularną. Kompozytorzy często wyrażają swoje utwory w spisanej partyturze muzycznej za pomocą notacji muzycznej. Wielu kompozytorów jest lub było również utalentowanymi wykonawcami muzyki.

Kompozytorzy i wykonawcy

Notacja muzyczna jest zbiorem wskazówek dla wykonawcy, ale istnieje całe kontinuum możliwości dotyczących tego, na ile wykonawca determinuje ostateczną formę oddanego utworu w wykonaniu. Nawet w konwencjonalnym zachodnim utworze muzyki instrumentalnej, w którym wszystkie melodie, akordy i linie basowe są zapisane w notacji muzycznej, wykonawca ma pewien stopień swobody, aby dodać artystyczną interpretację do utworu, na przykład poprzez zróżnicowanie jego lub jej artykulacji i frazowania, wybór czasu trwania fermat (zatrzymanych nut) lub pauz oraz — w przypadku smyczkowych instrumentów smyczkowych, dętych drewnianych lub blaszanych — decydowanie, czy użyć efektów ekspresyjnych, takich jak vibrato lub portamento. Dla wokalisty lub wykonawcy instrumentalnego,proces decydowania o tym, jak wykonać muzykę, która została wcześniej skomponowana i zanotowana, nazywa się „interpretacją”. Interpretacje tego samego utworu muzycznego przez różnych wykonawców mogą się znacznie różnić pod względem wybranego tempa oraz stylu gry, śpiewu lub frazowania melodii. Kompozytorzy i autorzy piosenek, którzy prezentują własną muzykę, interpretują tak samo, jak ci, którzy wykonują muzykę innych. Standardowy zbiór wyborów i technik obecnych w danym czasie i miejscu jest określany jako praktyka wykonawcza, podczas gdy interpretacja jest zwykle używana w odniesieniu do indywidualnych wyborów wykonawcy. Chociaż kompozycja muzyczna często ma jednego autora, nie jest to zawsze tak jest. Dzieło muzyczne może mieć wielu kompozytorów,co często występuje w muzyce popularnej, gdy zespół współpracuje przy napisaniu piosenki, lub w teatrze muzycznym, gdzie piosenki mogą być napisane przez jedną osobę, orkiestrację partii akompaniamentu i pisanie uwertury wykonuje orkiestrator, a słowa może być napisany przez osobę trzecią. Utwór muzyczny może być również skomponowany ze słów, obrazów lub, w XX i XXI wieku, programów komputerowych, które wyjaśniają lub zapisują, w jaki sposób piosenkarz lub muzyk powinien tworzyć muzyczne dźwięki. Przykładami tego są dzwonki dęte dźwięczące na wietrze, awangardowa muzyka XX wieku wykorzystująca notację graficzną, kompozycje tekstowe, takie jak Aus den sieben Tagen, czy programy komputerowe dobierające dźwięki do utworów muzycznych. Muzyka, która intensywnie wykorzystuje przypadkowość i przypadek, nazywana jest muzyką aleatoryczną,i jest związany ze współczesnymi kompozytorami działającymi w XX wieku, takimi jak John Cage, Morton Feldman czy Witold Lutosławski. Charakter i środki indywidualnej wariacji muzyki są zróżnicowane w zależności od kultury muzycznej w kraju i okresu jej powstania. Na przykład muzyka skomponowana w epoce baroku, zwłaszcza w wolnych tempach, często była pisana nagim zarysem, z oczekiwaniem, że wykonawca doda improwizowane ozdobniki do linii melodycznej podczas wykonania. W późniejszych epokach ta swoboda generalnie zmalała, co koreluje z coraz częstszym stosowaniem przez kompozytorów bardziej szczegółowej partytury w postaci dynamiki, artykulacji i tak dalej; kompozytorzy stają się jednolicie bardziej jednoznaczni w sposobie, w jaki chcieliby, aby ich muzyka była interpretowana,chociaż to, jak ściśle i szczegółowo są one dyktowane, różni się w zależności od kompozytora. Z powodu tego trendu, w którym kompozytorzy stają się coraz bardziej konkretni i szczegółowi w swoich instrukcjach dla wykonawcy, w końcu rozwinęła się kultura, w której wierność pisanej intencji kompozytora zaczęła być wysoko ceniona (zob. np. wydanie Urtext). Ta kultura muzyczna jest prawie na pewno związana z wysokim (graniczącym z czcią) szacunkiem, jakim często cieszą się najwybitniejsi kompozytorzy klasyczni. Historycznie poinformowany ruch wykonawczy ożywił w pewnym stopniu możliwość poważnego opracowania przez wykonawcę muzyki podanej w partyturze, zwłaszcza muzyki barokowej i wczesnoklasycznej.Ruch ten można uznać za sposób na uzyskanie większej wierności oryginałowi w utworach skomponowanych w czasie, który oczekiwał od wykonawców improwizacji. W gatunkach innych niż muzyka klasyczna wykonawca ma na ogół większą swobodę; tak więc na przykład, gdy wykonawca zachodniej muzyki popularnej tworzy „cover” wcześniejszej piosenki, nie oczekuje się dokładnego odwzorowania oryginału; dokładna wierność nie jest też koniecznie wysoko ceniona (może z wyjątkiem transkrypcji „nuta po nucie” słynnych solówek gitarowych). W zachodniej muzyce artystycznej kompozytor zazwyczaj orkiestruje własne kompozycje, ale w teatrze muzycznym i muzyce pop autorzy piosenek mogą zatrudnić aranżera do wykonania orkiestracji. W niektórych przypadkach autor piosenek pop może w ogóle nie używać notacji,i zamiast tego skomponować piosenkę w swoim umyśle, a następnie odtworzyć lub nagrać ją z pamięci. W muzyce jazzowej i popularnej wybitnym nagraniom wpływowych wykonawców nadaje się wagę, jaką w muzyce klasycznej odgrywają zapisy nutowe. Badanie kompozycji tradycyjnie zdominowało badanie metod i praktyki zachodniej muzyki klasycznej, ale definicja kompozycji jest wystarczająco szeroka, dotyczy tworzenia popularnych i tradycyjnych piosenek muzycznych oraz utworów instrumentalnych, a także obejmuje utwory spontanicznie improwizowane, takie jak utwory wykonawców free jazzu. i afrykańscy perkusiści, tacy jak perkusiści Ewe.Badanie kompozycji tradycyjnie zdominowało badanie metod i praktyki zachodniej muzyki klasycznej, ale definicja kompozycji jest wystarczająco szeroka, dotyczy tworzenia popularnych i tradycyjnych piosenek muzycznych oraz utworów instrumentalnych, a także obejmuje utwory spontanicznie improwizowane, takie jak utwory wykonawców free jazzu. i afrykańscy perkusiści, tacy jak perkusiści Ewe.Badanie kompozycji tradycyjnie zdominowało badanie metod i praktyki zachodniej muzyki klasycznej, ale definicja kompozycji jest wystarczająco szeroka, dotyczy tworzenia popularnych i tradycyjnych piosenek muzycznych oraz utworów instrumentalnych, a także obejmuje utwory spontanicznie improwizowane, takie jak utwory wykonawców free jazzu. i afrykańscy perkusiści, tacy jak perkusiści Ewe.

Historia

Poziom rozróżnienia między kompozytorami a innymi muzykami jest różny, co wpływa na kwestie takie jak prawa autorskie i szacunek przypisywany indywidualnym interpretacjom danego utworu muzycznego. W rozwoju europejskiej muzyki klasycznej funkcja komponowania muzyki początkowo nie miała większego znaczenia niż jej wykonywanie. Zachowanie poszczególnych kompozycji nie cieszyło się ogromną uwagą, a muzycy na ogół nie mieli skrupułów modyfikować kompozycje pod kątem wykonania. O ile rola kompozytora w zachodniej muzyce artystycznej stale się umacniała, o tyle w alternatywnych idiomach (tj. jazzie, muzyce eksperymentalnej) stała się pod pewnymi względami coraz bardziej złożona lub niejasna. Na przykład w pewnych kontekstach granica między kompozytorem a wykonawcą, projektantem dźwięku, aranżerem, producentem i innymi rolami,może być dość rozmazany. Termin „kompozytor” jest często używany w odniesieniu do kompozytorów muzyki instrumentalnej, takiej jak muzyka klasyczna, jazz lub inne formy sztuki i muzyki tradycyjnej. W muzyce popularnej i ludowej kompozytora nazywa się zwykle autorem tekstów, ponieważ muzyka na ogół przyjmuje formę pieśni. Od połowy XX wieku termin ten rozszerzył się, aby objąć twórców muzyki elektroakustycznej, w której kompozytorzy bezpośrednio tworzą materiał dźwiękowy w dowolnym z różnych mediów elektronicznych, takich jak magnetofony szpulowe i zespoły efektów elektronicznych, które mogą być prezentowane publiczności, odtwarzając taśmę lub inne nagranie dźwiękowe lub zapraszając na żywo instrumentalistów i śpiewaków do występu z nagranym wcześniej materiałem. Różni się to od XIX-wiecznej koncepcji kompozycji instrumentalnej,gdzie utwór był reprezentowany wyłącznie przez partyturę do interpretacji przez wykonawców.

Starożytna Grecja

Muzyka była ważną częścią życia społecznego i kulturalnego w starożytnej Grecji. Wiemy, że kompozytorzy pisali nuty w epoce starożytnej Grecji, ponieważ uczeni znaleźli epitafium Seikilos. Epitafium, napisane między 200 pne a 100 rne, jest najstarszym zachowanym przykładem kompletnej kompozycji muzycznej, w tym notacji muzycznej, na świecie. Pieśń, której melodia została zapisana wraz ze słowami w starożytnej greckiej notacji muzycznej, została wyryta na steli nagrobnej w pobliżu Aydın w Turcji (niedaleko Efezu). Jest to pieśń hellenistyczna jońska w gatunku oktawy frygijskiej lub tonach Iastów.

Zachodnia muzyka klasyczna

Średniowiecze

W epoce muzyki średniowiecza (476-1400) kompozytorzy pisali monofoniczne (pojedyncza linia melodyczna) śpiewy do nabożeństw Kościoła rzymskokatolickiego. Zachodnia muzyka zaczęła stawać się bardziej formą sztuki dzięki postępowi w notacji muzycznej. Jedynym europejskim średniowiecznym repertuarem, który przetrwał sprzed około 800 roku, jest monofoniczna pieśń liturgiczna Kościoła rzymskokatolickiego, której centralną tradycją była chorał gregoriański. Obok tych tradycji muzyki sakralnej i kościelnej istniała żywa tradycja pieśni świeckiej (pieśni niereligijnych). Przykładami kompozytorów z tego okresu są Léonin, Pérotin i Guillaume de Machaut.

renesans

W epoce muzyki renesansu (ok. 1400–1600) kompozytorzy koncentrowali się bardziej na pisaniu piosenek o świeckich (niereligijnych) tematach, takich jak miłość dworska. Około 1450 r. wynaleziono prasę drukarską, co sprawiło, że drukowane zapisy nutowe były znacznie tańsze i łatwiejsze do masowej produkcji (przed wynalezieniem prasy drukarskiej wszystkie zapisy nutowe były kopiowane ręcznie). Większa dostępność nut pomogła w szybszym rozprzestrzenianiu się stylów muzycznych kompozytorów i na większym obszarze. Już w połowie XV wieku kompozytorzy tworzyli bogatą polifoniczną muzykę sakralną, w której jednocześnie przeplatały się różne linie melodyczne. Wybitni kompozytorzy z tej epoki to Guillaume Du Fay, Giovanni Pierluigi da Palestrina, Thomas Morley i Orlande de Lassus. Gdy działalność muzyczna przeniosła się z kościoła na dwory arystokratyczne, królowie,królowe i książęta rywalizowali o najlepszych kompozytorów. Wielu czołowych ważnych kompozytorów pochodziło z Holandii, Belgii i północnej Francji. Nazywani są kompozytorami francusko-flamandzkimi. Zajmowali ważne stanowiska w całej Europie, zwłaszcza we Włoszech. Inne kraje o żywej aktywności muzycznej to Niemcy, Anglia i Hiszpania.

Barokowy

W epoce muzyki baroku (1600-1750) kompozytorzy rozszerzyli zakres i złożoność tworzonej przez siebie muzyki. Era muzyki barokowej rozpoczęła się, gdy kompozytorzy czerpali inspirację z muzyki starożytnej Grecji, tworząc opery (dramatyczna muzyka wokalna z towarzyszeniem orkiestry). Innym kluczowym stylem kompozytorów używanych w tej epoce była muzyka kontrapunktowa. Ten styl pisania wymagał od kompozytorów zaawansowanej wiedzy z zakresu teorii muzyki, ponieważ muzyka kontrapunktowa obejmuje wiele niezależnych linii melodycznych granych przez instrumenty lub śpiewanych głosami. Kompozytorzy musieli się nauczyć ścisłych zasad kontrapunktu. Niemieccy kompozytorzy barokowi pisali na małe zespoły, w tym instrumenty smyczkowe, blaszane i dęte drewniane, a także chóry i instrumenty klawiszowe, takie jak organy, klawesyn i klawikord. Podczas tego okresu,kompozytorzy opracowali kilka głównych form muzycznych, które przetrwały w późniejszych okresach, kiedy zostały rozszerzone i dalej ewoluowały, w tym fuga, wynalazek, sonata i koncert. Styl późnego baroku był złożony polifonicznie i bogato zdobiony. Do najbardziej znanych kompozytorów epoki baroku należą Claudio Monteverdi, Heinrich Schütz, Jean-Baptiste Lully, Dieterich Buxtehude, Arcangelo Corelli, Henry Purcell, François Couperin, Antonio Vivaldi, Georg Philipp Telemann, Jean-Philippe Rameau, Johann Sebastian Bach i George'a Friedricha Haendla.Do najbardziej znanych kompozytorów epoki baroku należą Claudio Monteverdi, Heinrich Schütz, Jean-Baptiste Lully, Dieterich Buxtehude, Arcangelo Corelli, Henry Purcell, François Couperin, Antonio Vivaldi, Georg Philipp Telemann, Jean-Philippe Rameau, Johann Sebastian Bach i George'a Friedricha Haendla.Do najbardziej znanych kompozytorów epoki baroku należą Claudio Monteverdi, Heinrich Schütz, Jean-Baptiste Lully, Dieterich Buxtehude, Arcangelo Corelli, Henry Purcell, François Couperin, Antonio Vivaldi, Georg Philipp Telemann, Jean-Philippe Rameau, Johann Sebastian Bach i George'a Friedricha Haendla.

Klasycyzm

Kompozytorzy muzyki okresu klasycznego (od 1750 do 1830) zwracali uwagę na sztukę i filozofię starożytnej Grecji i Rzymu, na ideały równowagi, proporcji i zdyscyplinowanej ekspresji. Poza pisaniem utworów religijnych kompozytorzy szli w kierunku pisania w lżejszej, czystszej i znacznie prostszej fakturze, używając melodii instrumentalnych, które były prawie głosowe i śpiewalne. Kompozytorzy opracowali nowe gatunki. Głównym stylem była homofonia, w której wyraźnie zaznacza się wyeksponowana melodia i podrzędna partia akompaniamentu akordowego. Kompozytorzy skupieni na muzyce instrumentalnej. Zdominował ją dalszy rozwój form muzycznych określonych początkowo w okresie baroku: sonaty, koncertu i symfonii. Inne główne rodzaje to trio, kwartet smyczkowy, serenada i divertimento.Sonata była najważniejszą i rozwiniętą formą. Chociaż kompozytorzy barokowi pisali także sonaty, klasycystyczny styl sonat jest całkowicie odmienny. Wszystkie główne formy instrumentalne epoki klasycznej, od kwartetów smyczkowych po symfonie i koncerty, opierały się na strukturze sonaty. Jedną z najważniejszych zmian dokonanych w okresie klasycznym był rozwój koncertów publicznych. Arystokracja nadal odgrywała znaczącą rolę w sponsorowaniu koncertów i kompozycji, ale teraz kompozytorzy mogli przetrwać bez bycia stałymi pracownikami królowych czy książąt. Rosnąca popularność muzyki klasycznej doprowadziła do wzrostu liczby i rodzajów orkiestr. Rozbudowa koncertów orkiestrowych spowodowała konieczność budowy dużych przestrzeni widowiskowych. Muzyka symfoniczna, w tym symfonie,Coraz popularniejszy stał się akompaniament muzyczny do baletu i mieszanych gatunków wokalno-instrumentalnych, takich jak opera i oratorium. Najbardziej znanymi kompozytorami klasycyzmu są Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart, Ludwig van Beethoven i Franz Schubert. Beethoven i Schubert uważani są również za kompozytorów późnej epoki klasycznej, która zaczęła zmierzać w kierunku romantyzmu.

Romantyzm

W epoce muzyki romantycznej (ok. 1810-1900) kompozytorzy przekształcili sztywne style i formy epoki klasycznej w bardziej namiętne, dramatyczne, ekspresyjne utwory. Kompozytorzy starali się zwiększyć emocjonalną ekspresję i siłę swojej muzyki, starali się opisać głębsze prawdy czy ludzkie uczucia. W poematach symfonicznych kompozytorzy próbowali opowiadać historie i przywoływać obrazy lub pejzaże za pomocą muzyki instrumentalnej. Niektórzy kompozytorzy promowali dumę nacjonalistyczną patriotyczną muzyką orkiestrową inspirowaną muzyką ludową. Dla kompozytorów emocjonalne i ekspresyjne cechy muzyki stały się ważniejsze niż podążanie za podręcznikami i tradycją. Kompozytorzy romantyczni dorastali w swoistości i posuwali się dalej w synkretyzmie eksplorowania różnych form sztuki w kontekście muzycznym (takim jak literatura), historii (postacie historyczne i legendy) lub samej natury.Romantyczna miłość czy tęsknota była dominującym tematem w wielu utworach powstałych w tym okresie. W niektórych przypadkach nadal używano struktur formalnych z okresu klasycznego (np. formy sonatowej stosowanej w kwartetach smyczkowych i symfonii), ale formy te zostały rozszerzone i zmienione. W wielu przypadkach kompozytorzy badali nowe podejścia do wykorzystania w przypadku istniejących gatunków, form i funkcji. Kompozytorzy stworzyli też nowe formy, które uznano za lepiej pasujące do nowej tematyki. Opera i balet rozwijały się dalej. W latach po 1800 roku muzyka rozwijana przez Ludwiga van Beethovena i Franza Schuberta wprowadziła bardziej dramatyczny, wyrazisty styl. W przypadku Beethovena krótkie motywy, rozwinięte organicznie, zastąpiły melodię jako najważniejszą jednostkę kompozycyjną (przykładem jest charakterystyczna czterodźwiękowa figura zastosowana w jego V Symfonii).Późniejsi kompozytorzy romantyczni, tacy jak Piotr Iljicz Czajkowski, Antonín Dvořák i Gustav Mahler, używali bardziej niezwykłych akordów i dysonansów, aby stworzyć dramatyczne napięcie. Generowali złożone i często znacznie dłuższe utwory muzyczne. W okresie późnego romantyzmu kompozytorzy badali dramatyczne, chromatyczne zmiany tonalne, takie jak akordy rozciągnięte i akordy zmienione, które tworzyły nowe „kolory” dźwięku. Kompozytorzy epoki romantyzmu zwiększyli wielkość orkiestry, dodając muzyków i używając nowych instrumentów, tworząc potężniejszy dźwięk. Niektóre orkiestry wagnerowskie zawierały wiele harf, masywne sekcje smyczkowe i tuby wagnerowskie.Generowali złożone i często znacznie dłuższe utwory muzyczne. W okresie późnego romantyzmu kompozytorzy badali dramatyczne, chromatyczne zmiany tonalne, takie jak akordy rozciągnięte i akordy zmienione, które tworzyły nowe „kolory” dźwięku. Kompozytorzy epoki romantyzmu zwiększyli wielkość orkiestry, dodając muzyków i używając nowych instrumentów, tworząc potężniejszy dźwięk. Niektóre orkiestry wagnerowskie zawierały wiele harf, masywne sekcje smyczkowe i tuby wagnerowskie.Generowali złożone i często znacznie dłuższe utwory muzyczne. W okresie późnego romantyzmu kompozytorzy badali dramatyczne, chromatyczne zmiany tonalne, takie jak akordy rozciągnięte i akordy zmienione, które tworzyły nowe „kolory” dźwięku. Kompozytorzy epoki romantyzmu zwiększyli wielkość orkiestry, dodając muzyków i używając nowych instrumentów, tworząc potężniejszy dźwięk. Niektóre orkiestry wagnerowskie zawierały wiele harf, masywne sekcje smyczkowe i tuby wagnerowskie.Niektóre orkiestry wagnerowskie zawierały wiele harf, masywne sekcje smyczkowe i tuby wagnerowskie.Niektóre orkiestry wagnerowskie zawierały wiele harf, masywne sekcje smyczkowe i tuby wagnerowskie.

Muzyka XX i XXI wieku

W XIX wieku jednym z kluczowych sposobów, w jaki nowe kompozycje stały się znane publiczności, była sprzedaż nut, które miłośnicy muzyki amatorzy wykonywali w domu na pianinie lub innych instrumentach. Wraz z muzyką XX wieku nastąpił ogromny wzrost słuchania muzyki, ponieważ popularność zyskała radio, a do odtwarzania i dystrybucji muzyki używano fonografów. W XX wieku współcześni kompozytorzy klasyczni byli również pod wpływem afroamerykańskiej muzyki jazzowej opartej na improwizacji. Wpływy jazzowe widać w muzyce Trzeciego Strumienia oraz w kompozycjach Leonarda Bernsteina. Muzyka artystyczna skupiała się na eksploracji nowych rytmów, stylów i dźwięków. Igor Strawiński, Arnold Schoenberg i John Cage byli wpływowymi kompozytorami muzyki artystycznej XX wieku.Cage napisał kompozycje na tradycyjne instrumenty klasyczne i niezwykłe urządzenia wytwarzające dźwięk, które normalnie nie są uważane za instrumenty, takie jak radia. Wynalezienie rejestracji dźwięku i możliwość montażu muzyki na taśmie dały początek nowemu podgatunkowi muzyki klasycznej, w tym akusmatycznej i Musique concrète szkoły kompozycji elektronicznej, w której kompozytorzy tworzyli utwory przy użyciu magnetofonów szpulowych i sprzętu elektronicznego.

Rola kobiet

W 1993 roku amerykańska muzykolog Marcia Citron zapytała: „dlaczego muzyka komponowana przez kobiety jest tak marginalna w standardowym repertuarze „klasycznym”? Citron „bada praktyki i postawy, które doprowadziły do ​​wykluczenia kompozytorek z otrzymanego „kanonu” wykonywanych utworów muzycznych”. Twierdzi, że w XIX wieku kompozytorki zazwyczaj pisały piosenki artystyczne do wykonania w małych recitalach, a nie symfonie przeznaczone do wykonania z orkiestrą w dużej sali, przy czym te ostatnie utwory były postrzegane jako najważniejszy gatunek dla kompozytorów; ponieważ kompozytorki nie napisały wielu symfonii, uznano, że nie wyróżniają się jako kompozytorki. Według Abbey Philips „muzykom było bardzo trudno przebić się i zdobyć uznanie, na jakie zasługują”. W średniowieczuwiększość muzyki artystycznej została stworzona do celów liturgicznych (religijnych), a ze względu na poglądy na role kobiet, jakie pełnili przywódcy religijni, niewiele kobiet komponowało ten rodzaj muzyki, z wyjątkiem zakonnicy Hildegardy von Bingen. Większość podręczników uniwersyteckich do historii muzyki omawia niemal wyłącznie rolę kompozytorów płci męskiej. Ponadto bardzo niewiele utworów kompozytorek należy do standardowego repertuaru muzyki klasycznej. W Concise Oxford History of Music „Clara Shumann [sic] jest jedną z jedynych wspomnianych kompozytorek”, ale inne godne uwagi kompozytorki z okresu powszechnej praktyki to Fanny Mendelssohn i Cécile Chaminade i prawdopodobnie najbardziej wpływowa nauczycielka kompozytorów w w połowie XX wieku była Nadia Boulanger. Philips stwierdza, że ​​„[w] XX wieku kobiety, które komponowały/grały, zyskały znacznie mniej uwagi niż ich koledzy płci męskiej. „Dziś kobiety są traktowane poważniej w dziedzinie muzyki koncertowej, chociaż statystyki uznania, nagród, zatrudnienia i ogólnie możliwości są nadal stronnicze w stosunku do mężczyzn.

Grupowanie

Znani kompozytorzy mają tendencję do skupiania się w określonych miastach na przestrzeni dziejów. W oparciu o ponad 12 000 wybitnych kompozytorów wymienionych w Grove Music Online i stosując techniki pomiaru liczby słów, można ilościowo zidentyfikować najważniejsze miasta dla muzyki klasycznej. Paryż był głównym ośrodkiem muzyki klasycznej we wszystkich epokach. Zajmował piąte miejsce w XV i XVI wieku, ale pierwsze w wieku od XVII do XX włącznie. Drugim najważniejszym miastem był Londyn: ósme w XV wieku, siódme w XVI, piąte w XVII, drugie w XVIII i XIX wieku, a czwarte w XX wieku. Rzym znalazł się na szczycie rankingu w XV wieku, spadł na drugie miejsce w XVI i XVII wieku, ósmy w XVIII wieku, dziewiąty w XIX wieku, ale ponownie na szósty w XX wieku.Berlin pojawia się w pierwszej dziesiątce rankingów dopiero w XVIII wieku i był trzecim najważniejszym miastem zarówno w XIX, jak i XX wieku. Nowy Jork wszedł do rankingu w XIX wieku (na piątym miejscu), aw XX wieku znalazł się na drugim miejscu. Schematy są bardzo podobne dla próbki 522 najlepszych kompozytorów.

Trening

Zawodowi kompozytorzy klasyczni często mają doświadczenie w wykonywaniu muzyki klasycznej w dzieciństwie i młodości, albo jako śpiewak w chórze, jako muzyk w młodzieżowej orkiestrze, albo jako wykonawca na instrumencie solo (np. fortepianie, organach lub skrzypce). Nastolatki aspirujące do bycia kompozytorami mogą kontynuować studia policealne w różnych formach kształcenia formalnego, w tym w kolegiach, konserwatoriach i uniwersytetach. Konserwatoria, które są standardowym systemem kształcenia muzycznego we Francji iw Quebecu (Kanada), zapewniają studentom kompozycji lekcje i amatorskie doświadczenia w zakresie śpiewu orkiestrowego i chóralnego. Uniwersytety oferują szereg programów kompozytorskich, w tym stopnie licencjackie, magisterskie i doktoranckie. Także,istnieje wiele innych programów szkoleniowych, takich jak klasyczne obozy letnie i festiwale, które dają studentom możliwość uzyskania coachingu od kompozytorów.

Student

Studia licencjackie w zakresie kompozycji (zwane B.Mus. lub BM) to czteroletnie programy, które obejmują indywidualne lekcje kompozycji, amatorskie doświadczenie orkiestrowe/chóralne oraz sekwencję kursów z historii muzyki, teorii muzyki i sztuk wyzwolonych (np. , literatura angielska), które dają uczniowi bardziej wszechstronną edukację. Zazwyczaj studenci kompozycji muszą ukończyć znaczące utwory lub piosenki przed ukończeniem studiów. Nie wszyscy kompozytorzy posiadają B.Mus. w składzie; kompozytorzy mogą również posiadać B.Mus. w wykonawstwie muzycznym lub teorii muzyki.

Mistrzowie

Na studia magisterskie (M.mus.) w zakresie kompozycji składają się prywatne lekcje z profesorem kompozycji, doświadczenie zespołowe oraz kursy magisterskie z historii muzyki i teorii muzyki, a także jeden lub dwa koncerty z utworami studenta kompozycji. Dyplom magistra muzyki (określany jako M.Mus. lub MM) jest często wymaganym minimalnym poświadczeniem dla osób, które chcą uczyć kompozycji na uniwersytecie lub w konserwatorium. Kompozytor z M.Mus. mógłby być adiunktem lub instruktorem na uniwersytecie, ale w latach 2010-tych trudno byłoby uzyskać stanowisko profesora stałego z tym stopniem.

Doktorski

Aby zostać profesorem na stałe, wiele uniwersytetów wymaga stopnia doktora. W dziedzinie kompozycji kluczowym stopniem doktora jest doktor sztuk muzycznych, a nie doktor; doktorat jest przyznawany w dziedzinie muzyki, ale zazwyczaj z przedmiotów takich jak muzykologia i teoria muzyki. Stopień doktora sztuk muzycznych (tzw. DMA, DMA, D.Mus.A. lub A.Mus.D) w zakresie kompozycji daje szansę na zaawansowane studia na najwyższym poziomie artystycznym i pedagogicznym, wymagające zwykle dodatkowych 54+ godzin zaliczenia poza tytułem magistra (czyli około 30+ punktów poza tytułem licencjata). Z tego powodu przyjmowanie jest wysoce selektywne. Studenci muszą przedstawić przykłady swoich kompozycji. Jeśli to możliwe, niektóre szkoły zaakceptują również nagrania wideo lub audio z wykonaniami utworów ucznia. Egzaminy z historii muzyki, teorii muzyki,wymagane jest szkolenie/dyktando słuchu oraz egzamin wstępny. Studenci muszą przygotować znaczące kompozycje pod kierunkiem profesorów kompozycji wydziałowych. Niektóre szkoły wymagają od studentów kompozycji DMA prezentowania koncertów swoich utworów, które zazwyczaj wykonywane są przez śpiewaków lub muzyków ze szkoły. Ukończenie zaawansowanych zajęć i minimalna średnia B to inne typowe wymagania programu DMA. Podczas programu DMA student kompozycji może zdobyć doświadczenie w nauczaniu studentów studiów muzycznych na poziomie licencjackim.Ukończenie zaawansowanych zajęć i minimalna średnia B to inne typowe wymagania programu DMA. Podczas programu DMA student kompozycji może zdobyć doświadczenie w nauczaniu studentów studiów muzycznych na poziomie licencjackim.Ukończenie zaawansowanych zajęć i minimalna średnia B to inne typowe wymagania programu DMA. Podczas programu DMA student kompozycji może zdobyć doświadczenie w nauczaniu studentów studiów muzycznych na poziomie licencjackim.

Inne trasy

Niektórzy kompozytorzy klasyczni nie ukończyli programów kompozytorskich, ale skoncentrowali swoje studia na grze na głosie lub instrumencie lub na teorii muzyki i rozwijali swoje umiejętności kompozytorskie w trakcie kariery w innym zawodzie muzycznym.

Zatrudnienie

W średniowieczu większość kompozytorów pracowała dla kościoła katolickiego i komponowała muzykę do nabożeństw, np. melodie chorałowe. W epoce muzyki renesansu kompozytorzy zwykle pracowali dla arystokratycznych pracodawców. Podczas gdy arystokraci zazwyczaj wymagali od kompozytorów produkcji znacznej ilości muzyki religijnej, takiej jak msze, kompozytorzy pisali także wiele niereligijnych piosenek na temat miłości dworskiej: pełnej szacunku i czci miłości wielkiej kobiety z oddali. Dworskie pieśni miłosne były bardzo popularne w epoce renesansu. W epoce muzyki baroku wielu kompozytorów było zatrudnionych przez arystokratów lub jako pracownicy kościelni. W okresie klasycznym kompozytorzy zaczęli organizować więcej koncertów publicznych dla zysku, co pomogło kompozytorom być mniej zależni od pracy arystokratycznej lub kościelnej.Trend ten był kontynuowany w epoce muzyki romantycznej w XIX wieku. W XX wieku kompozytorzy zaczęli szukać pracy jako profesorowie na uniwersytetach i konserwatoriach. W XX wieku kompozytorzy zarabiali także na sprzedaży swoich utworów, np. w postaci wydawania nut ich piosenek lub utworów czy nagrań dźwiękowych swoich utworów.

Zobacz też

Listy kompozytorów

Bibliografia

Zewnętrzne linki

Multimedia związane z Kompozytorami w Wikimedia Commons Stowarzyszenia kompozytorów w Curlie Kompozytorzy w Curlie Kompozytorzy i aranżery w Curlie

Original article in language