Symfonia

Article

January 28, 2023

Symfonia to rozbudowana kompozycja muzyczna w zachodniej muzyce klasycznej, najczęściej na orkiestrę. Chociaż termin ten miał wiele znaczeń od swoich początków w epoce starożytnej Grecji, pod koniec XVIII wieku słowo to nabrało znaczenia powszechnego dzisiaj: dzieło zwykle składające się z wielu odrębnych części lub części, często czterech, z pierwszym ruchem w forma sonatowa. Symfonie są prawie zawsze tworzone dla orkiestry składającej się z sekcji smyczkowej (skrzypce, altówka, wiolonczela i kontrabas), instrumentów dętych blaszanych, dętych drewnianych i perkusyjnych, które łącznie liczą około 30 do 100 muzyków. Symfonie są zapisywane w partyturze muzycznej, która zawiera wszystkie partie instrumentów. Muzycy orkiestrowi grają z partii zawierających tylko zapisaną muzykę na ich własnym instrumencie. Niektóre symfonie zawierają również partie wokalne (np. Beethovenas IX Symfonia).

Etymologia i pochodzenie

Słowo symfonia pochodzi od greckiego słowa συμφωνία (symfonia), oznaczającego „zgodność lub zgodność dźwięku”, „koncert muzyki wokalnej lub instrumentalnej”, od σύμφωνος (symphōnos), „harmonijny”. Słowo to odnosiło się do różnych pojęć, zanim ostatecznie zajęło się jego obecnym znaczeniem określającym formę muzyczną. W teorii późnej greki i średniowiecza słowo to było używane dla konsonansu, w przeciwieństwie do διαφωνία (diafonia), które było słowem oznaczającym „dysonans”. W średniowieczu i później łacińska forma symfonia była używana do opisu różnych instrumentów, zwłaszcza tych zdolnych do wydawania więcej niż jednego dźwięku jednocześnie. Izydor z Sewilli jako pierwszy użył słowa symfonia jako nazwy dwugłowego bębna, a od ok.1155 do 1377 francuska forma symfonia była nazwą organistrum lub liry korbowej. W późnośredniowiecznej Anglii symfonia była używana w obu tych znaczeniach, podczas gdy w XVI wieku była utożsamiana z cymbałami. W języku niemieckim Symfonia była ogólnym terminem określającym szpinety i wirginały od końca XVI do XVIII wieku. W znaczeniu „brzmiące razem” słowo to zaczyna pojawiać się w tytułach niektórych dzieł kompozytorów XVI i XVII wieku w tym Sacrae symphoniae Giovanniego Gabrieliego i Symphoniae sacrae, liber secundus, wydane odpowiednio w 1597 i 1615; Eclesiastiche sinfonie, dette canzoni in aria france, per sonare, et cantare op. 16, wydana w 1607; Sinfonie musicali op. 18, wydana w 1610 r.; oraz Symphoniae sacrae Heinricha Schütza,op. 6 i Symphoniarum sacrarum secunda pars op. 10, wydane odpowiednio w 1629 i 1647. Z wyjątkiem kolekcji Viadana, która zawierała muzykę czysto instrumentalną i świecką, wszystkie były zbiorami sakralnych dzieł wokalnych, niektóre z akompaniamentem instrumentalnym.

Barok był

W XVII wieku, przez większość epoki baroku, terminy symfonia i sinfonia były używane dla wielu różnych kompozycji, w tym utworów instrumentalnych używanych w operach, sonatach i koncertach — zwykle części większego dzieła. Sinfonia operowa, czyli uwertura włoska, miała już w XVIII wieku standardową strukturę trzech kontrastujących ze sobą części: szybkiej, wolnej, szybkiej i tanecznej. To właśnie ta forma jest często uważana za bezpośredniego prekursora symfonii orkiestrowej. Terminy „uwertura”, „symfonia” i „sinfonia” były powszechnie uważane za wymienne przez większą część XVIII wieku. praktyka od XIX wieku do okresu współczesnego.Kiedy kompozytorzy z XVII wieku pisali utwory, oczekiwali, że utwory te zostaną wykonane przez dowolną grupę muzyków, która byłaby dostępna. Dla przykładu, podczas gdy linia basu w utworze XIX-wiecznym jest przeznaczona na wiolonczele, kontrabasy i inne specyficzne instrumenty, w utworze z XVII wieku partia basso continuo dla sinfonii nie określałaby, jakie instrumenty miałyby tę rolę odgrywać. Utwór można wykonać z udziałem grupy basso continuo tak małej jak pojedyncza wiolonczela i klawesyn. Jeśli jednak dostępny był większy budżet na wykonanie i wymagany był większy dźwięk, grupa basso continuo może zawierać wiele instrumentów akordowych (klawesyn, lutnia itp.) oraz szereg instrumentów basowych, w tym wiolonczelę, kontrabas, wiolonczela basowa, a nawet wąż, wczesny instrument dęty basowy.oczekiwali, że utwory te zostaną wykonane przez dowolną grupę muzyków, która byłaby dostępna. Dla przykładu, podczas gdy linia basu w utworze XIX-wiecznym jest przeznaczona na wiolonczele, kontrabasy i inne specyficzne instrumenty, w utworze z XVII wieku partia basso continuo dla sinfonii nie określałaby, jakie instrumenty miałyby tę rolę odgrywać. Utwór można wykonać z udziałem grupy basso continuo tak małej jak pojedyncza wiolonczela i klawesyn. Jeśli jednak dostępny był większy budżet na wykonanie i wymagany był większy dźwięk, grupa basso continuo może zawierać wiele instrumentów akordowych (klawesyn, lutnia itp.) oraz szereg instrumentów basowych, w tym wiolonczelę, kontrabas, wiolonczela basowa, a nawet wąż, wczesny instrument dęty basowy.oczekiwali, że utwory te zostaną wykonane przez dowolną grupę muzyków, która byłaby dostępna. Dla przykładu, podczas gdy linia basu w utworze XIX-wiecznym jest przeznaczona na wiolonczele, kontrabasy i inne specyficzne instrumenty, w utworze z XVII wieku partia basso continuo dla sinfonii nie określałaby, jakie instrumenty miałyby tę rolę odgrywać. Utwór można wykonać z udziałem grupy basso continuo tak małej jak pojedyncza wiolonczela i klawesyn. Jeśli jednak dostępny był większy budżet na wykonanie i wymagany był większy dźwięk, grupa basso continuo może zawierać wiele instrumentów akordowych (klawesyn, lutnia itp.) oraz szereg instrumentów basowych, w tym wiolonczelę, kontrabas, wiolonczela basowa, a nawet wąż, wczesny instrument dęty basowy.kontrabasy i inne specyficzne instrumenty, w utworze z XVII wieku partia basso continuo na sinfonię nie określałaby, które instrumenty miałyby tę partię zagrać. Utwór można wykonać z udziałem grupy basso continuo tak małej jak pojedyncza wiolonczela i klawesyn. Jeśli jednak dostępny był większy budżet na wykonanie i wymagany był większy dźwięk, grupa basso continuo może zawierać wiele instrumentów akordowych (klawesyn, lutnia itp.) oraz szereg instrumentów basowych, w tym wiolonczelę, kontrabas, wiolonczela basowa, a nawet wąż, wczesny instrument dęty basowy.kontrabasy i inne specyficzne instrumenty, w utworze z XVII wieku partia basso continuo na sinfonię nie określałaby, które instrumenty miałyby tę partię zagrać. Utwór można wykonać z udziałem grupy basso continuo tak małej jak pojedyncza wiolonczela i klawesyn. Jeśli jednak dostępny był większy budżet na wykonanie i wymagany był większy dźwięk, grupa basso continuo może zawierać wiele instrumentów akordowych (klawesyn, lutnia itp.) oraz szereg instrumentów basowych, w tym wiolonczelę, kontrabas, wiolonczela basowa, a nawet wąż, wczesny instrument dęty basowy.Utwór można wykonać z udziałem grupy basso continuo tak małej jak pojedyncza wiolonczela i klawesyn. Jeśli jednak dostępny był większy budżet na wykonanie i wymagany był większy dźwięk, grupa basso continuo może zawierać wiele instrumentów akordowych (klawesyn, lutnia itp.) oraz szereg instrumentów basowych, w tym wiolonczelę, kontrabas, wiolonczela basowa, a nawet wąż, wczesny instrument dęty basowy.Utwór można wykonać z udziałem grupy basso continuo tak małej jak pojedyncza wiolonczela i klawesyn. Jeśli jednak dostępny był większy budżet na wykonanie i wymagany był większy dźwięk, grupa basso continuo może zawierać wiele instrumentów akordowych (klawesyn, lutnia itp.) oraz szereg instrumentów basowych, w tym wiolonczelę, kontrabas, wiolonczela basowa, a nawet wąż, wczesny instrument dęty basowy.

Epoki galant i klasyczne

LaRue, Bonds, Walsh i Wilson piszą w drugim wydaniu The New Grove Dictionary of Music and Musicians, że „symfonia była kultywowana z niezwykłą intensywnością” w XVIII wieku. Odgrywał rolę w wielu dziedzinach życia publicznego, w tym w nabożeństwach kościelnych, ale szczególnie silnym obszarem poparcia dla wykonań symfonicznych była arystokracja. W Wiedniu, być może najważniejszym miejscu w Europie dla komponowania symfonii, „dosłownie setki rodzin szlacheckich wspierały instytucje muzyczne, dzieląc swój czas między Wiedeń a ich rodowe posiadłości [gdzie indziej w Imperium]”. Ponieważ normalna wielkość orkiestry w tym czasie była dość niewielka, wiele z tych dworskich placówek było zdolnych do wykonywania symfonii. Młody Józef Haydn,Podejmując swoją pierwszą pracę jako dyrektor muzyczny w 1757 r. dla rodziny Morzinów, odkrył, że gdy rodzina Morzinów była w Wiedniu, jego własna orkiestra była tylko częścią żywej i konkurencyjnej sceny muzycznej, z wieloma arystokratami sponsorującymi koncerty z własnymi zespołami. Artykuł LaRue, Bonds, Walsh i Wilson śledzi stopniową ekspansję orkiestry symfonicznej w XVIII wieku. Początkowo symfonie były symfoniami smyczkowymi, napisanymi tylko w czterech częściach: pierwsze skrzypce, drugie skrzypce, altówka i bas (linię basu przejęły wiolonczele, kontrabasy grające partię oktawę niżej i być może również fagot). Niekiedy wcześni symfoniści zrezygnowali nawet z partii altówki, tworząc w ten sposób trzyczęściowe symfonie.Możliwa była również partia basso continuo zawierająca fagot wraz z klawesynem lub innym instrumentem akordowym. Pierwszymi dodatkami do tego prostego zespołu była para rogów, czasami para obojów, a następnie oba rogi i oboje razem. W ciągu stulecia do orkiestry klasycznej dodano inne instrumenty: flety (niekiedy zastępujące oboje), osobne partie fagotów, klarnetów oraz trąbek i kotłów. Utwory różniły się punktacją dotyczącą tego, które z tych dodatkowych instrumentów miały się pojawić. Pełnowymiarowa orkiestra klasyczna, wdrożona pod koniec stulecia do największych symfonii, ma wspomniany już standardowy zespół smyczkowy, pary instrumentów dętych (flety, oboje, klarnety, fagoty), parę rogów i kotły. Pozostał instrument klawiszowy (klawesyn lub fortepian). Ten "Włoski styl symfoniczny, często używany jako uwertura i entr'acte w teatrach operowych, stał się standardową formą trzyczęściową: część szybką, część wolną i inną część szybką. W ciągu XVIII wieku stało się to zwyczajem napisać czteroczęściowe symfonie, zgodnie z liniami opisanymi w następnym akapicie. Trzyczęściowa symfonia wygasała powoli; około połowa pierwszych trzydziestu symfonii Haydna składa się z trzech części; a dla młodego Mozarta trzyczęściowa symfonia była norma, być może pod wpływem jego przyjaciela Johanna Christiana Bacha.Wybitnym późnym przykładem trzyczęściowej symfonii klasycznej jest Symfonia Praska Mozarta z 1786 roku. allegro powolny ruch,takie jak andante menuet lub scherzo z trio allegro, rondo czy sonata. Wariacje na temat tego układu, jak zmiana kolejności części środkowych lub dodanie powolnego wstępu do części pierwszej, były powszechne. Haydn, Mozart i im współcześni ograniczyli stosowanie formy czteroczęściowej do orkiestrowej lub wieloinstrumentalnej muzyki kameralnej, takiej jak kwartety, chociaż odkąd sonaty solowe Beethovena są pisane równie często w czterech, jak w trzech częściach. Kompozycja wczesnych symfonii była skoncentrowana w Mediolanie, Wiedniu i Mannheim. Szkoła mediolańska skupiała się wokół Giovanniego Battisty Sammartiniego i obejmowała Antonio Brioschi, Ferdinando Galimberti i Giovanni Battista Lampugnani. Wczesnymi przedstawicielami tej formy w Wiedniu byli Georg Christoph Wagenseil, Wenzel Raimund Birck i Georg Matthias Monn,podczas gdy później znaczącymi wiedeńskimi kompozytorami symfonii byli Johann Baptist Wanhal, Carl Ditters von Dittersdorf i Leopold Hofmann. Do szkoły w Mannheim należał Johann Stamitz. Najważniejszymi symfonistami drugiej połowy XVIII wieku są Haydn, który napisał co najmniej 106 symfonii w ciągu 36 lat i Mozart, z co najmniej 47 symfoniami w ciągu 24 lat.

Epoka romantyczna

Na początku XIX wieku Beethoven podniósł symfonię z powszechnie produkowanego gatunku codziennego do formy najwyższej, w której kompozytorzy w zaledwie kilku utworach dążyli do osiągnięcia najwyższych możliwości muzycznych. Beethoven zaczął od dwóch utworów bezpośrednio naśladujących jego wzorce Mozarta i Haydna, a następnie siedmiu kolejnych symfonii, zaczynając od III Symfonii („Eroica”), która rozszerzyła zakres i ambicję gatunku. Jego Symfonia nr 5 jest prawdopodobnie najsłynniejszą symfonią, jaką kiedykolwiek napisano; przejście od burzliwej emocjonalnie części otwierającej c-moll do triumfalnego finału w tonacji durowej dało wzór późniejszym symfonikom, takim jak Brahms i Mahler. Jego VI Symfonia to utwór programowy, zawierający instrumentalne imitacje śpiewu ptaków i burzy; i niekonwencjonalnieczęść piąta (symfonie miały zwykle co najwyżej cztery części). Jego IX Symfonia zawiera partie dla wokalnych solistów i chóru w ostatniej części, co czyni ją symfonią chóralną. Spośród symfonii Schuberta dwie są podstawowymi pozycjami repertuarowymi i są często wykonywane. Z VIII Symfonii (1822) Schubert ukończył tylko dwie pierwsze części; to wysoce romantyczne dzieło jest zwykle nazywane „Niedokończonym”. Jego ostatnia ukończona symfonia, Dziewiąta (1826) jest ogromnym dziełem w klasycznym idiomie. Felix Mendelssohn (pięć symfonii plus trzynaście symfonii smyczkowych) i Robert Schumann (cztery) nadal pisali symfonie w stylu klasycznym, chociaż posługują się własnym językiem muzycznym. W przeciwieństwie do tego Berlioz preferował utwory programowe, w tym jego „dramatyczną symfonię” Romeo et Juliette,symfonia altówkowa Harold en Italie oraz bardzo oryginalna Symfonia fantastyczna. Ta ostatnia jest również utworem programowym i ma zarówno marsz, jak i walc oraz pięć części zamiast zwyczajowych czterech. Jego czwarta i ostatnia symfonia, Grande symphonie funèbre et triomphale (pierwotnie zatytułowana Symphonie militaire) została skomponowana w 1840 roku na 200-osobową orkiestrę marszową, która miała być wykonywana na dworze, i jest wczesnym przykładem orkiestry symfonicznej. Berlioz dodał później opcjonalne partie smyczkowe i chóralny finał. W 1851 r. Richard Wagner oświadczył, że wszystkie te symfonie post-Beethovenowskie są niczym więcej jak epilogiem, nie wnoszącym niczego zasadniczo nowego. Rzeczywiście, po ostatniej symfonii Schumanna „Reński” skomponowany w 1850 roku,przez dwie dekady lisztowski poemat symfoniczny wydawał się wypierać symfonię jako wiodącą formę wielkoformatowej muzyki instrumentalnej. Jednak Liszt skomponował w tym czasie także dwie programowe symfonie chóralne, Faust i Dante. Jeśli symfonia została przyćmiona w inny sposób, nie minęło dużo czasu, zanim pojawiła się ponownie w „drugiej erze” w latach 70. i 80. XIX wieku, z symfoniami Brucknera, Brahmsa, Czajkowskiego, Saint-Saënsa, Borodina, Dvořáka i Francka… utwory, które w dużej mierze unikały elementów programowych Berlioza i Liszta i dominowały w repertuarze koncertowym przez co najmniej sto lat. W ciągu XIX wieku kompozytorzy nadal powiększali liczebność orkiestry symfonicznej. Mniej więcej na początku wieku pełnowymiarowa orkiestra składała się z sekcji smyczkowej oraz par fletów, obojów, klarnetów, fagotów, rogów,trąbki, a na koniec zestaw kotłów. Jest to na przykład punktacja stosowana w symfoniach Beethovena o numerach 1, 2, 4, 7 i 8. Do orkiestry symfonicznej, zwłaszcza w V Beethovena, dodano puzony, które wcześniej ograniczały się do muzyki kościelnej i teatralnej. , VI i IX symfonie. Połączenie bębna basowego, trójkąta i talerzy (czasem także piccolo), które XVIII-wieczni kompozytorzy wykorzystywali jako efekt kolorystyczny w tzw. „muzyce tureckiej”, zaczęło być coraz częściej stosowane w drugiej połowie XIX wieku bez wszelkie takie konotacje gatunku. W czasach Mahlera (patrz niżej) możliwe było napisanie przez kompozytora symfonii na „prawdziwe kompendium instrumentów orkiestrowych”. Oprócz coraz większej różnorodności instrumentów,XIX-wieczne symfonie były stopniowo wzbogacane o więcej smyczków i więcej partii dętych, tak że orkiestra znacznie się rozrosła, podobnie jak rosły sale koncertowe.

Epoki późnoromantyczne, modernistyczne i postmodernistyczne

Pod koniec XIX wieku Gustav Mahler zaczął pisać długie symfonie na dużą skalę, które komponował do początku XX wieku. Jego III Symfonia, ukończona w 1896 roku, jest jedną z najdłuższych, regularnie wykonywanych symfonii, która w większości wykonań trwa około 100 minut. Ósma Symfonia została skomponowana w 1906 roku i jest nazywana „Symfonią Tysiąca” ze względu na dużą liczbę głosów wymaganych do wykonania utworu. Wiek XX przyniósł dalsze zróżnicowanie stylu i treści utworów, które kompozytorzy określali jako symfonie. Niektórzy kompozytorzy, w tym Dymitr Szostakowicz, Siergiej Rachmaninow i Carl Nielsen, nadal pisali w tradycyjnej czteroczęściowej formie, podczas gdy inni przyjęli inne podejście: VII Symfonia Jeana Sibeliusa, jego ostatnia, jest jednoczęściowa, Richard Strauss 'Symfonia alpejska, podzielona w jednej części na dwadzieścia dwie części, opisująca jedenastogodzinną wędrówkę przez góry i IX Symfonię Alana Hovhanessa, Saint Vartan — pierwotnie op. 80, zmieniona na op. 180 — skomponowany w latach 1949-50, jest w dwudziestym czwartym. Podobną różnorodność można było zaobserwować w długości symfonii: Gustav Mahler nadal komponował ogromne utwory, których wykonanie trwało ponad godzinę, ale jeszcze dalsze skrajności osiągnęli inni, tacy jak Havergal Brian, którego I Symfonia „Gotycka”, ukończona w 1927 roku, trwa prawie dwie godziny. Na drugim końcu skali wykonanie I Małej Symfonii Dariusa Milhauda, ​​skomponowanej w 1917 roku, trwa zaledwie trzy i pół minuty. koncepcja pojawiła się pod koniec XIX wieku.Zostało to nazwane „dwuwymiarową formą symfoniczną” i znajduje swój kluczowy punkt zwrotny w I Symfonii kameralnej op. 9 (1909), po którym w latach 20. pojawiły się inne godne uwagi jednoczęściowe symfonie niemieckie, w tym I Symfonia Kurta Weilla (1921), Symfonia kameralna Maxa Buttinga op. 25 (1923) oraz Symfonia Paula Dessau z 1926 roku. Oprócz tych eksperymentów inne XX-wieczne symfonie celowo próbowały przywołać XVIII-wieczne początki gatunku, pod względem formy, a nawet stylu muzycznego, czego wybitnym przykładem jest Symfonia nr 25 Siergieja Prokofiewa. 1 „Klasyka” z lat 1916–17 i Symfonia C Igora Strawińskiego z lat 1938–40. Pozostały jednak pewne tendencje. Nazywanie utworu „symfonią”nadal sugerował pewien stopień wyrafinowania i powagi celu. Słowo sinfonietta weszło do użycia na określenie utworu krótszego, o skromniejszych celach lub „lżejszego” niż symfonia, takiego jak Sinfonietta na orkiestrę Siergieja Prokofiewa. W pierwszej połowie wieku kompozytorzy m.in. Edward Elgar, Gustav Mahler , Jean Sibelius, Carl Nielsen, Igor Strawiński, Bohuslav Martinů, Roger Sessions, Siergiej Prokofiew, Rued Langgaard i Dymitr Szostakowicz skomponowali symfonie „niezwykłe w zakresie, bogactwie, oryginalności i pilności wyrazu”. Jedną z miar znaczenia symfonii jest stopień, w jakim odzwierciedla ona koncepcje formy czasowej właściwe dla epoki, w której została stworzona. Pięciu kompozytorów z całego XX wieku, którzy spełniają tę miarę, to Jean Sibelius, Igor Strawiński,Luciano Berio (w Sinfonia, 1968-69), Elliott Carter (w Symfonii trzech orkiestr, 1976) i Pelle Gudmundsen-Holmgreen (w Symphony/Antiphony, 1980). nastąpiło odrodzenie zainteresowania symfonią z wieloma kompozytorami postmodernistycznymi, którzy znacznie wzbogacili kanon, nie tylko w Wielkiej Brytanii: Peter Maxwell Davies (10), Robin Holloway (1), David Matthews (9), James MacMillan (4), Peter Seabourne (4) i Philip Sawyers (3).Peter Maxwell Davies (10), Robin Holloway (1), David Matthews (9), James MacMillan (4), Peter Seabourne (4) i Philip Sawyers (3).Peter Maxwell Davies (10), Robin Holloway (1), David Matthews (9), James MacMillan (4), Peter Seabourne (4) i Philip Sawyers (3).

Symfonie dla zespołu koncertowego

Hector Berlioz pierwotnie napisał Grande symphonie funèbre et triomphale dla orkiestry wojskowej w 1840 roku. Anton Reicha skomponował swoją czteroczęściową symfonię „Commemoration” (znaną również jako Musique pour célébrer le Mémorie des Grands Hommes qui se sont Illustrés au Service de la Nation Française ) na duży zespół dęty jeszcze wcześniej, w 1815 roku, na uroczystości związane z powtórnym pochówkiem Ludwika XVI i Marii Antoniny Ale po tych wczesnych staraniach niewiele symfonii zostało napisanych dla zespołów dętych aż do XX wieku, kiedy napisano więcej symfonii dla zespołu koncertowego niż w minione wieki. Chociaż przykłady istnieją już w 1932 roku, pierwszą taką symfonią jest 19 Symfonia op. 46, skomponowana w 1939. Innymi przykładami są Symfonia B-dur na zespół Paula Hindemitha, skomponowana w 1951;IV Symfonia Mortona Goulda „West Point”, skomponowana w 1952 roku; VI Symfonia op. 69, skomponowana w 1956; III Symfonia Vittorio Gianniniego, skomponowana w 1958 r.; IV Symfonie op. 165, nr 7, "Nanga Parvat" op. 175, nr 14, „Ararat”, op. 194 i nr 23 „Ani” op. 249, skomponowane odpowiednio w latach 1958, 1959, 1961 i 1972; II Symfonia Johna Barnesa Chance'a, skomponowana w 1972 roku; II, III, IV i V symfonie Alfreda Reeda, skomponowane odpowiednio w 1979, 1988, 1992 i 1994 roku; osiem z dziesięciu numerowanych symfonii Davida Maslanki; do tej pory pięć symfonii Julie Giroux (choć obecnie pracuje nad szóstą); I Symfonia Johana de Meija „Władca Pierścieni”, skomponowana w 1988 roku i jego II Symfonia”The Big Apple”, skomponowana w 1993; Symfonia Yasuhide Ito w trzech scenach „La Vita” skomponowana w 1998, będąca jego trzecią symfonią na zespół dęty; III Symfonia Johna Corigliano „Circus Maximus”, skomponowana w 2004; PachaMama Denisa Levaillanta Symphony, skomponowana w 2014 i 2015 roku, oraz Symfonia nr 2 Jamesa M. Stephensona, której premiera odbyła się w United States Marine Band („The President’s Own”) i została nagrodzona zarówno przez National Band Association’s William D. Revelli (2017), jak i American Nagrody Stowarzyszenia Kapelmistrzów Sousa/Ostwald (2018).s PachaMama Symphony, skomponowana w 2014 i 2015 roku, oraz Symfonia nr 2 Jamesa M. Stephensona, której premiera odbyła się w United States Marine Band („The President's Own”) i została nagrodzona przez National Band Association Williama D. Revelliego (2017) i nagrody Sousa/Ostwald (2018) Amerykańskiego Stowarzyszenia Bandmasterów.s PachaMama Symphony, skomponowana w 2014 i 2015 roku, oraz Symfonia nr 2 Jamesa M. Stephensona, której premiera odbyła się w United States Marine Band („The President's Own”) i została nagrodzona przez National Band Association Williama D. Revelliego (2017) i nagrody Sousa/Ostwald (2018) Amerykańskiego Stowarzyszenia Bandmasterów.

Inne współczesne zastosowania „symfonii”

W niektórych formach języka angielskiego słowo „symfonia” jest również używane w odniesieniu do orkiestry, dużego zespołu, który często wykonuje te utwory. Słowo „symfonia” pojawia się w nazwach wielu orkiestr, na przykład London Symphony Orchestra, Boston Symphony Orchestra, St. Louis Symphony, Houston Symphony czy New World Symphony z Miami. W przypadku niektórych orkiestr „(nazwa miasta) Symfonia” zapewnia krótszą wersję pełnej nazwy; na przykład OED podaje „Vancouver Symphony” jako możliwą skróconą formę Vancouver Symphony Orchestra. Dodatkowo, w powszechnym użyciu, można powiedzieć, że wychodzi na koncert symfoniczny, nawiązując do orkiestry, a nie do prac nad programem. Te zwyczaje nie są powszechne w brytyjskim angielskim.

Zobacz też

Symfonia chóralna Symfonia organowa Symfonia fortepianowa Symfonie na zespół koncertowy Klątwa dziewiątej Lista kompozytorów symfonicznych

Bibliografia

Źródła

Dalsza lektura

Zewnętrzne linki

„Symfonia” . Encyklopedia Britannica. 26 (wyd. 11). 1911. s. 290–291. Gann, Kyle. „Chronologia Symfonii 1730-2005”. Zarchiwizowane z oryginału w dniu 4 sierpnia 2015 r. Spis wybranych głównych symfonii skomponowanych w latach 1800–2005, z udziałem kompozytorów symfonii XVIII, XIX, XX i XXI wieku. Thanh-Tâm Le: „A do D”. „E do J”. „K do O”. „P do Z”.

Original article in language