głos (muzyka)

Article

January 30, 2023

Głos jest instrumentem dętym, składnikiem muzyki, który tworzą struny głosowe człowieka. Ludzki głos może być używany w muzyce na różne sposoby, na przykład w śpiewie. Wokalista to muzyk, który śpiewa, a wokalista to osoba, która tylko śpiewa.

Ludzki głos Jean jako środek produkcji muzycznego dźwięku

Istoty ludzkie od dawna używają własnego głosu do tworzenia muzyki. W każdej kulturze głos jest traktowany inaczej, zgodnie z własnym stylem muzycznym. Każdy ludzki głos jest inny i dlatego klasyfikacja nie zawsze jest łatwa. Na Zachodzie głosy ludzkie dzieli się na dwa pojęcia: tessitura i barwa. Tessitura to zakres nut, w którym głos jest najwygodniej śpiewany. Barwa, jak wspomniano przy okazji właściwości dźwięku, jest szczególną cechą, która odróżnia jeden głos od drugiego. Ogólnie rzecz biorąc, głos o wysokim tonie ma cienką lub wyraźną barwę, podczas gdy głos o niskim tonie będzie miał grubą lub ciemną barwę. Jak wspomniano wcześniej, każdy głos jest inny i mogą istnieć wyjątki w korespondencji wysokości i barwy. Należy wspomnieć, że głos jest instrumentem narodzin. Dlatego każda osoba ma już określony rodzaj głosu i należy z nim pracować. Rodzaje głosu decydują o postaciach w operze. Jednak śpiewak będzie mógł śpiewać tylko reprezentując charakter, który jest zgodny z jego fakturą i rodzajem głosu. W przypadku chórów wykorzystywane są tylko cztery głosy: sopran, alt, tenor i bas; podczas gdy głosy pośrednie są reprezentowane z pozostałymi dwoma.

Głos

Głos to dźwięk wytwarzany przez aparat mowy człowieka. Świadoma emisja dźwięków wytwarzanych za pomocą aparatu głosowego nazywana jest śpiewem. Śpiew odgrywa ważną rolę w sztuce muzycznej, ponieważ jest jedynym instrumentem muzycznym, który potrafi zintegrować słowa z linią muzyczną. Dźwięk wokalu jest wytwarzany w połączonym działaniu fizycznym. Części stanowią podporę, połączoną funkcję śluzu, strun głosowych i mięśni (messa di voce) oraz rezonansu i tłumienia harmonicznych dźwięku emitowanego z krtani do układu głosowego (usta, głowa). Widmo harmonicznych nazywamy barwą. Jest indywidualna w każdym człowieku. W pedagogice śpiewu proces budzenia pewnych harmonicznych w celu rozjaśnienia głosu jest powszechnie nazywany rezonansem. Jednak z początkowego dźwięku krtani tylko 20 ; % jest faktycznie emitowany jako dźwięk samogłoskowy; reszta jest tłumiona przez trakt głosowy. Dlatego bardziej słuszne jest mówienie o częściowej filtracji dźwięku wyjściowego.[1] Chociaż tworzenie kości u każdej osoby jest z góry określone, prawidłowego sposobu emitowania dźwięku do traktu głosowego można nauczyć się poprzez nieustanny trening. Okazuje się, że głosy postrzegane jako wyraźne i jasne to te o silnym współczynniku formantów między 2800 Hz a 3200 Hz. [2] Głos wyróżnia się zakresem, barwą głosu i kształtem vibrato. Indywidualna budowa krtani i traktu głosowego sprawia, że ​​indywidualny śpiewak bardziej różni się brzmieniem głosu niż jeden instrument muzyczny tego samego typu. Technika wokalna nie skupia się przede wszystkim na instrumentalnej wirtuozerii, ale tworzenie prawidłowej emisji dźwięku. Ponieważ aparat głosowy i przepona nie są dostępne przez wrażenia nerwowe, nauczyciel śpiewu musi stosować pośrednie metody wpływania na głos, takie jak obrazowanie, wrażenia mięśniowe w sąsiednich narządach i trening traktu głosowego. Najskuteczniejszą metodą jest ingerencja między układem słuchowym a krtanią; to znaczy dbałość o dźwięk poprawia dźwięk.

Wibrato

W uformowanym głosie śpiewającym zauważalne są wahania amplitudy i częstotliwości dźwięku zwane vibrato. Istnieją vibrato o częstotliwościach od 3 do 9 Hz. Optymalna częstotliwość, odbierana jako przyjemna i organiczna, to 4,5-5,5 Hz. Vibrato kontroluje koordynację między głosem głowy (wibracja warstwy śluzowej) a głosem głowy. więzadeł i wokalis mięśniowych). Według Fischera (1993) wyróżnia się trzy formy vibrato: [3] falę wydechową, indukowaną przez głośnię przeponą, falę indukowaną przez głośnię oraz falę złożoną, łączącą drżenie głośni i przepony.

Zakres i tessitura

Zakres wokalny to całkowity zakres częstotliwości, które mogą być generowane przez trakt głosowy. Jest mierzony przez najniższą i najwyższą możliwą częstotliwość. W zakresie głośność wzrasta od dolnej nuty do nuty powyżej. Niskie tony zwykle nie mają zastosowania z powodu braku głośności, najwyższe tony z powodu niekontrolowanej głośności. Z tego powodu dla muzyki klasycznej zdefiniowano obszar odpowiedni do zastosowań muzycznych, zwany tessiturą. To jest mniejsze niż zakres i składa się z nut, które mogą być wyprodukowane z jakością odpowiednią do użytku muzycznego. Dzięki tessiturze i barwie głosy można sklasyfikować. W okresie dojrzewania wszystkie głosy zmieniają się z wysokiego na niższy z powodu zmian hormonalnych. Ta mutacja jest bardziej zaznaczona w głosach męskich niż w głosach żeńskich. Podczas gdy głos żeński mutuje około jednej tercji wielkiej, głos męski zwykle mutuje około oktawy. Przed mutacją dziecko mogło śpiewać jako sopran lub alt. Podczas mutacji głos zmienia się w ramach oktawy. Zjawisko mutacji jest dobrze udokumentowane u niemieckiego piosenkarza Petera Schreiera, poprzez nagrania przed i po mutacji. W okresie baroku kastrowano dziecięcych śpiewaków, aby zachować głos dziecka w ciele dorosłego. Kastraci byli prawdziwymi gwiazdami opery barokowej. poprzez nagrania przed i po mutacji. W okresie baroku kastrowano dziecięcych śpiewaków, aby zachować głos dziecka w ciele dorosłego. Kastraci byli prawdziwymi gwiazdami opery barokowej. poprzez nagrania przed i po mutacji. W okresie baroku kastrowano dziecięcych śpiewaków, aby zachować głos dziecka w ciele dorosłego. Kastraci byli prawdziwymi gwiazdami opery barokowej.

Różne praktyki wokalne

Z biegiem czasu koncepcje dotyczące sposobu śpiewania zmieniały się w zależności od wymagań poszczególnych utworów, które miały być wykonywane: głos otwarty, biały i gładki w polifonii antycznej i barokowej oraz głos otwarty i czysty w belcantistas; ciemna okładka i świetna projekcja operowej pieśni romantyzmu itp. Należy również wziąć pod uwagę różne języki, które również warunkują rodzaj transmisji, takie jak: 1. Technika francuska. 2. Technika niemiecka. 3. Technika włoska. 4. Nowoczesne techniki Stosowaną techniką jest kolor głosu lub też zachowanie wokalne, które określa kolor utworu, czy jest on jasny czy ciemny. W obrębie koloru eufonia jest niuansem, którego śpiewak używa w emisji samogłosek: śpiewak może zaprezentować jasną lub ciemną eufonii.

Praktyka francuska

Język francuski jest noszony samogłoskami i spółgłoskami, które brzmią w nosie, bardzo trudnym do odtworzenia przez śpiewaka innych języków. Ta technika polega na szukaniu rezonansu w „masce” w górnej części nosa i wykorzystuje zasadniczo oddychanie międzyżebrowe. Artykulacja nosowego języka francuskiego obniża podniebienie miękkie, dlatego tę technikę należy wykonywać z dużą ostrożnością. Adaptacja i kryteria użycia spółgłosek nosowych, takich jak „n” i „m” z naszą hiszpańską artykulacją, z rezonansem ustno-nosowym i bez ucisku gardła, jest nieocenioną pomocą w wysuwaniu głosu do przodu, w masce, niezbędny warunek dobrej transmisji. Należy wziąć pod uwagę, że stosowanie oronasalizacji jest metodą szeroko stosowaną i rozpowszechnioną na całym świecie przez Madelaine Mason, która twierdzi, że „głos w masce” ma tę zaletę, że nie zamyka nosogardzieli”. Technikę tę należy stosować z dużą ostrożnością, unikając w wyłączny sposób nosowania i zawsze należy ją łączyć z oronasalizacją i traktować ją wyłącznie jako źródło wyszukiwania do projekcji głosu. Ten zasób nasalizowanych dźwięków został wykorzystany jako element ekspresyjny w operze Pucciniego Madame Butterfly, która w słynnym wewnętrznym chórze „bocca chiusa” drugiego aktu nadaje dramatyczny klimat chwili. „Bocca chiusa” zawsze należy wykonywać z rozluźnionym gardłem. Technikę tę należy stosować z dużą ostrożnością, unikając w wyłączny sposób nosowania i zawsze należy ją łączyć z oronasalizacją i traktować ją wyłącznie jako źródło wyszukiwania do projekcji głosu. Ten zasób nasalizowanych dźwięków został wykorzystany jako element ekspresyjny w operze Pucciniego Madame Butterfly, która w słynnym wewnętrznym chórze „bocca chiusa” drugiego aktu nadaje dramatyczny klimat chwili. „Bocca chiusa” zawsze należy wykonywać z rozluźnionym gardłem. Technikę tę należy stosować z dużą ostrożnością, unikając w wyłączny sposób nosowania i zawsze należy ją łączyć z oronasalizacją i traktować ją wyłącznie jako źródło wyszukiwania do projekcji głosu. Ten zasób nasalizowanych dźwięków został wykorzystany jako element ekspresyjny w operze Pucciniego Madame Butterfly, która w słynnym wewnętrznym chórze „bocca chiusa” drugiego aktu nadaje dramatyczny klimat chwili. „Bocca chiusa” zawsze należy wykonywać z rozluźnionym gardłem. że w słynnym chórze wewnętrznym „bocca chiusa” II aktu nadaje dramatyczny klimat chwili. „Bocca chiusa” zawsze należy wykonywać z rozluźnionym gardłem.

praktyka niemiecka

Głos niemiecki jest gardłowy, ma kolor gardłowy, ponieważ rezonuje w tylnej części ust ze względu na dużą liczbę spółgłosek tylnych w tym języku. Od strony słuchowej odbieramy to jako „piszczałkowe”, z niewielkim lub żadnym vibrato. Ma niską pozycję krtaniową i niski oddech brzuszny. Ta technika również próbuje znaleźć głos w masce.

Praktyka włoska

Głos włoski jest głosem projektowanym par excellence, ekstrawertycznym ze względu na rodzaj emisji swojego języka. Proponowane są tutaj dwie szkoły śpiewu: technika, która pojawiła się w Mediolanie z wyraźną projekcją emisji. Technika pojawiła się w Neapolu z „ponurą” emisją „cupa” (głos zakryty).Tutaj z wykorzystaniem pokrycia dźwiękowego głos tenora zostaje wzmocniony i ma możliwość dostępu do góry głosem piersiowym, bez zmiany rejestru. Świadczy o tym XIX-wieczna opera, w której przy nowych wymaganiach projekcji i mocy, pojawia się inny rodzaj techniki zwanej „aperto ma coperto” (głos zakryty z otwartym gardłem), która ma silne wspomaganie oddechowe. Według Vaccai włoska technika umożliwia pracę z głosami w innych językach i ułatwia ich emisję.

nowoczesna praktyka

Od połowy XX wieku pojawiły się nowe techniki pedagogiczne dla rozwoju głosu śpiewającego. Charakteryzują się włączaniem nowej wiedzy naukowej opartej na nowoczesnych badaniach i studiach oraz, ogólnie, mają krytyczny pogląd na stare techniki, aby utrzymywać, że brakuje im potwierdzonej wiedzy empirycznej na temat funkcji wokalnych. Ta wada, jak utrzymują, spowodowała, że ​​nauczyciele opierali się raczej na wyniku dźwiękowym niż na związkach tego dźwięku z mechanizmami generującymi jego produkcję. Wśród tych nowych technik możemy nazwać „współczesną pedagogikę wokalną”[4]​, która pojawiła się w latach 1950-1970 lub tak zwaną „metodę funkcjonalnej edukacji głosu”,[5][6]​ od 1980 roku przez nauczyciela i piosenkarza Eugene'a Rabine'a.

rejestry wokalne

Termin rejestr wokalny odnosi się do sposobu, w jaki wargi wokalne, więzadło i warstwa śluzowa wibrują podczas wytwarzania dźwięku.[7] W głosie niewytrenowanym następuje zmiana barwy podczas przechodzenia z jednego rejestru do drugiego, zwana passaggio . Głównym celem bel canto jest zakamuflowanie tego punktu zmiany barwy w celu uzyskania jednej charakterystyki dźwiękowej we wszystkich rejestrach. Głos podzielony jest na trzy podstawowe rejestry. Głos w klatce piersiowej to ruch mięśnia głosowego, strun głosowych i śluzu pokrywającego wargi głosowe. Jest to podstawowa funkcja poniżej środkowego E zarówno w głosie żeńskim, jak i męskim. Dlatego w głosach męskich występuje większa obecność głosu piersiowego. Ponieważ ruch mięśnia głosowego prawie zawsze obejmuje ruchy warstwy śluzowej, składowych głosu głowy, Często mówi się o nim również, odnosząc się do głosu piersiowego zmieszanego z wibracjami głowy.Głos głowowy jest ruchem jedynie warstwy śluzowej, która pokrywa wargi głosowe. Jest to podstawowa funkcja wszystkich głosów powyżej środkowego E. Z tego powodu w głosach żeńskich jest to funkcja podstawowa, podczas gdy w niewytrenowanych głosach męskich występuje tylko w postaci wyizolowanej jako falset. Nie wiadomo jeszcze, jaka jest różnica między głosem głową a falsetem, ponieważ w laryngoskopii obie funkcje dają taki sam wygląd. Zakłada się, że duża część różnicy wynika z różnorodności emisji do traktu głosowego. Jedną z teorii najczęściej wykorzystywanych przez nauczycieli śpiewu klasycznego i profesjonalnych śpiewaków jest to, że głos głowy mówi o narzuconym głosie podpartym na membranie, który wytwarza dużą głośność, pomagając umieścić dźwięk główny w naturalnych rezonatorach głowy, głównie w przednich. część czaszki; w przypadku falsetu jest to głos znacznie bardziej miękki, który wznosi się i opada bez większego narzucania dźwięku, prawie bez podparcia membrany. W innym, bardziej wiejskim stylu muzycznym, w niektórych krajach śpiewa się go wykonując „falsete”, jak w meksykańskiej Huasteca i jej guapango lub w Szwajcarii z piosenką tyrolską. mięsień wokalis prawie całkowicie, pozostawiając tylko niewielką lukę. Ten rejestr pojawia się w wysokich kobiecych głosach i w pojedynczych przypadkach głosami męskimi. Służy do tworzenia nut od C6 w górę. Typowym przykładem są koloratury Królowej Nocy w Czarodziejskim flecie Wolfganga Amadeusza Mozarta.Praktyka belcanta realizuje ideał głosu, który potrafi łączyć obie funkcje wokalne bez zauważalnego punktu załamania (messa di voce). Ideałem głosu mieszanego jest rejestr pojedynczy.

niuanse wokalne

W XVI wieku śpiew kościelny odróżniono od kompozycji polifonicznych. Pionierem czterogłosowej kompozycji kościelnej był Francuz Josquin Desprez (1457/58 - 1521). Nowa technika komponowania spowodowała konieczność rozróżnienia typów głosów pełniących w muzyce różne funkcje. Przy muzyce czterogłosowej powstała kategoryzacja na cztery podstawowe typy głosu: sopran, alt, tenor i bas. Kategorie te znajdują się do dziś w partyturach oratoryjnych i operowych. Ponadto, przy zróżnicowaniu oper na operę buffa i operę wyróżniono głosy poważne, poważne i buffa. Ta różnica stała się podstawowymi kategoriami głosu lirycznego i dramatycznego. W XIX w. konieczne stało się dodanie dwóch głosów pośrednich między dwiema parami: mezzosopran (żeński) i baryton (męski). Te sześć głosów opisuje zarówno tessiturę, jak i „kolor” (który jest parametrem łączącym barwę głosu i jego intensywność), zgodnie z Międzynarodowym Systemem Indeksów Akustycznych: Sopran: od C4 do C6 Mezzosopran od A3 do la5. Kontralto: od sol3 do fa5. Tenor: od D3 do A4. Baryton: od sol2 do mi4. Bas: od mi2 do mi4.

Niuanse w operze włoskiej

W ramach tych sześciu kategorii znajdują się podkategorie. Klasyczne kategorie włoskiej opery nie znają środkowych rejestrów mezzosopranu i barytonu. Rejestry te są osadzone w sąsiednich rejestrach. Klasyczne rejestry to: Soprano Soprano drammatico (spinto) Soprano lírico Soprano leggero, także sopran di coloratura lub sopran d'agilità. Contralto Contralto assoluto Mezzocontralto Tenore Tenore grave (baritenore) Tenore leggero lub Tenore buffo Liryczne tenore leggero lub Tenore di grazia Liryczne tenore Liryczne tenore spinto Tenore di forza (spinto) Basso Basso profundo Śpiewak basowy Basso buffo Ważną częścią jest kategoria głosu między śpiewakiem a operą. Piosenkarz może odmówić ról nieodpowiednich dla jego głosu. W Niemczech, Bühnenschiedsgericht (sąd mediatora scenariuszowego) orzeka w przypadku sporu. Podstawą jego decyzji jest określenie niuansu wokalnego śpiewaka, zgodnie z książką Handbuch der Oper Rudolfa Kloibera. Klasyfikacja Kloibera nie zgadza się z klasyfikacją włoską. Jest bardziej dokładna, ponieważ definiuje również niuanse mezzosopranu i barytonu. Przy bardzo precyzyjnej definicji może się zdarzyć, że wokalista śpiewa jednocześnie role różnych Stimmfächerów.

Najczęstsze tony głosu i ich role

Sopran

Dramatyczny sopran (g-c''') wiodąca rola w Richard Strauss: Electra Brunhilde w Richard Wagner: La Valkyrie Light sopran (c'-f''', rzadko też głębszy) la sonnambula, Sarah Brightman, królowej nocy, w Wolfganga Amadeusza Mozarta: Czarodziejski flet wiodąca rola w Giuseppe Verdim: Traviata Sopran charakterowy (h-c''') Melizanda, w Claude Debussy: Kłótnie i młoda dramatyczna sopranistka Melisanda (c'-c''') (też: Sopran spinto) główna rola w Antonínie Dvořáku: Rusalka Leonora, w Verdi: Trubadur Mimì, w Giacomo Puccini: La Bohème Lyric Sopran (c'-c''') Marzelline, w Ludwig van Beethoven: Fidelio Susanna, w Wolfgangu Amadeusz Mozart : Wesele Figara Light sopran liryczny (c'-f''') Norina, w Gaetano Donizetti: Don Pasquale Zerbinetta, w Richarda Straussa:Ariadna z Naxos Soubrette sopranowe (c'-c''') Despina, w Wolfganga Amadeusza Mozarta: Così fan tutte Gretchen, w Albert Lortzing: Głos natury

mezzosopran i alt

Mezzosopran dramatyczny - (g-b'') Eboli, w Giuseppe Verdi: Don Carlos Brangäne, w Richard Wagner: Tristan i Isolde Light Mezzosopran - (g-b'') Rosina, w Gioacchino Rossini: Cyrulik sewilski Liryczny Mezzosopran - (g-b'') Cherubino, w Wolfganga Amadeusza Mozarta: „Wesele Figara Oktawiana, w Richard Strauss: Rycerz róży High Dramatic - (g-b'') Czarownica/Jezibaba, w Antonín Dvořák: Rusalka Alto light (nieliczne) Angelina, w Gioacchino Rossini: La Cenizienta Alto bufo (g-b'') Irmentraut, w Albert Lortzing: Płatnerz Alto głęboka (f-a'') Geneviève, w Claude Debussy: Kłótnie i Melisanda Chora kobieta, w Arnold Schönberg: Mojżesz i Aaron Contralto w roli głównej, w Jean-Philippe Rameau: Hipolit i Alicja

Tenor

Heldentenor (c-c'') (heroiczny tenor) Tristan, w Richard Wagner: Tristan i Iseult wiodąca rola w Verdi: Othello Dramatic tenor (c-c'') Tristan, Siegfried, Siegmund, Parsifal, Lohengrin, Walther, Tannhauser i Rienzi charakter tenor (A-b') Richarda Wagnera, w Richard Wagner: Siegfried Lyrical tenor (c-d'') Don Ottavio, w Mozart: Don Giovanni Nemorino, w Donizetti: L'elisir d'amore Lekki tenor (c -h') Pedrillo, w Mozart: El rapto del seraglio Beppo, w Ruggero Leoncavallo: Pagliacci Contratenor (f-f'') Oberon, w Benjamin Britten: Sen nocy letniej

baryton i bas

Heldenbaritone (G-fis') wiodąca rola, Wagner: Latający Holender, w Verdi: Rigoletto Jochanaan, w Richard Strauss: Salomé Bass Baryton (A-g') wiodąca rola w Alban Berg: Wozzeck Gentleman Baritone (A- g') główna rola, w Mozart Don Giovanni główna rola, w Piotr Iljitsch Czajkowski: Eugen Oniegin Lyric Baryton (B-a') główna rola w Rossini: Cyrulik sewilski Valentin, w Charles Gounod: Faust Bass (por. ') Sarastro, w Mozart: Czarodziejski flet Zaccaria, w Verdi: Nabucco Baryton Bass (E-f') wiodąca rola, w Mozart: Wesele Figara Albericha, w Wagner: Zmierzch bogów Basso buffo harder (D - f') Baculus, w Albert Lortzing Głos natury Bass bufo (E-f') Bartolo, w Rossini Cyrulik sewilski Doktor, w Alban Berg: Wozzeck Wysokie głosy są żeńskie,od C3 do C4

inne głosy

Poza tą klasyfikacją do użytku w praktyce operowej istnieją inne rodzaje głosów męskich. Kontratenor, alt i sopranista posługują się falsetem i głosem głównym, by wydobyć dźwięk podobny do kobiecego śpiewu. U kastrata, którego nie ma już w dzisiejszej praktyce muzycznej, mutacja głosu została stłumiona poprzez amputację jąder. Jest też głos pijany, który jest głosem mężczyzny, który nie osiągnął jeszcze mutacji.

Domena głosowa pod względem częstotliwości

Pod względem częstotliwości głos ludzki mieści się zwykle w zakresie od 80 Hz do 1100 Hz (odpowiednik mi2 do do6 w notacji międzynarodowej, mi1 do do5 w notacji francusko-belgijskiej), biorąc pod uwagę cały zakres głosów męskich i męskich. kobiecy.

Zakresy częstotliwości głosu i instrumentów muzycznych

Głos ludzki może wyjątkowo generować dźwięki o niższej lub wyższej częstotliwości. Rekordy świata znacznie wykraczają poza ten zakres, a nawet poza granice tego, co jest słyszalne dla normalnego ludzkiego ucha.

Głosy o szerokim zakresie

Piosenkarze liryczni Lucrezia Aguiari: do4 - do7 [8] Elizabeth Billington: la3 - la6 [9] María Callas: fa♯3 [10] [11] - fa6 [12] [13] [14] Isabella Colbran: sol3 - mi6 [9] Manuel García: solo o la2 - re5 [15] María Malibrán: sol3 - mi6 [16] Giuditta Pasta: la3 - re6 [17] Adelina Patti: do4 - fa6 [18] Mado Robin: mi4 - re7 [19] Giovanni Battista Rubini: do3 - fa5 [9] Vitas: fa1 - la7 Carla Maffioletti: mib31 - fa7 Dimash Kudaibergen: la1 - re8 [ 20] [21] [22]

przykłady dyskograficzne

Wytwórnia Decca wydała podwójną płytę Coloratura, poświęconą wyłącznie klasyfikacji głosów ludzkich, ilustrując je fragmentami nagrań znanych śpiewaków wykonujących wielkie klasyki opery.

Zobacz też

Śpiew głosowy Śpiew liryczny Singer

Bibliografia

Bibliografia

. Kassel: Barenreiter. 3-761-81605-7. Fischer, Peter-Michael (1993). Głos piosenkarza. Kassel: Barenreiter. 3-761-81605-7. Kloiber, Peter-Michael (2002). Podręcznik Opery. Kassel: Barenreiter. 3-761-81605-7.

Zewnętrzne linki

muzyczny głos

Original article in Spanish language