Artysta

Article

December 5, 2022

Artysta (artysta bułgarski, artysta ukraiński, chudy, artystyczny, z (art. - słowiański. Хѫдогъ), z gotyku. Handugs - mądry; gotycki. Handags - zręczny, od handus - ręka) - w potocznym znaczeniu artysta jest osoba zajmująca się sztukami pięknymi. Jednak często nazywamy artystę osobą, która pracuje nie tylko w dziedzinie sztuk pięknych, ale także w innych rodzajach twórczości artystycznej, a także w przenośni: artystą swojego rzemiosła w dowolnym obszarze działalności twórczej. Dlatego bardziej akceptowalna jest inna definicja: „osoba kreatywna, ekspert, mistrz obdarzony talentem artystycznym i twórczą wyobraźnią”. Konieczne jest rozróżnienie pojęć działalności estetycznej i artystycznej. M.S.Kagan już w latach 60. na wykładach z estetyki wyjaśniał różnice w obszarach świadomości estetycznej i artystycznej,rysowanie kredą na tablicy schematu dwóch okręgów, częściowo zachodzących na siebie. Później MS Kagan wyjaśnił te relacje w książkach Human Activity (1974), Aesthetics as a Philosophical Science (1997), podkreślając, że pojęcia te nie mogą być synonimiczne lub uważane za artystyczne jedynie jako „najwyższy przejaw estetyki”. Dzieło sztuki może znajdować się w sferze estetycznej tylko częściowo lub całkowicie poza jej granicami, a aktywność estetyczna z kolei nie pokrywa się z artystyczną. Na przykład zbieranie kolorowych kamieni nad brzegiem morza lub ustawianie mebli w pokoju, wieszanie obrazów na ścianach jest czynnością estetyczną, ale nie artystyczną. Jednocześnie osoba dbająca o urodę nie zostaje artystą. Wyjaśnienie jest faktemto, co nazywamy artystyczną działalnością twórczą, mającą na celu tworzenie nie tylko walorów estetycznych (piękna), ale także obrazów artystycznych – „odciskanie jednego przedmiotu w drugim”, tworzenie nowej integralności, uogólnianie według trzech podstawowych zasad: widzi morze”) Obiektywne w subiektywnym (zmysłowym) Duchowe w materiale”. Obraz artystyczny jest zawsze konkretny, indywidualny (subiektywny) i emocjonalny. W umiejętnej pracy materiałowej - prostym rzemiośle, model figuratywny z reguły nie powstaje. Aktywność estetyczna nie wytwarza obrazów artystycznych, a jedynie harmonizuje istniejące obiekty i ich mentalne modele; za pomocą działań artystycznych człowiek „podwaja się w figuratywnym modelu” iw materiale określonego rodzaju sztuki.Myślenie figuratywne „skłania do podwojenia doświadczanego obiektu tak, że sam artysta zostaje w nim uchwycony”. W świadomości estetycznej — odczuciu i doświadczaniu piękna — człowiek niejako rozpływa się, depersonalizuje się w doświadczanym przedmiocie; w sztuce aktywnie wdziera się w rzeczywistość. Dlatego nie każdy obraz jest estetyczny i artystyczny, obraz artystyczny może być brzydki, a estetyczny niekoniecznie artystyczny. Specyfika działalności artystycznej człowieka polega na integralnym współdziałaniu wielu jej składników. Zwykle są to cztery główne komponenty: • aktywność poznawcza lub epistemologiczna; • zorientowane na wartość (estetyczne); • kreatywny i konstruktywny (synergiczny); • komunikatywny (działalność komunikacyjna).Wszystkie z nich indywidualnie charakteryzują ten lub inny rodzaj ludzkiej działalności. Wspólnie zdobywają określony temat - twórczość artystyczną, która realizowana jest za pomocą określonych metod, metod i technik twórczych w pojęciu „kompozycji”. W językach romańskich nie ma językowego i semantycznego rozróżnienia między pojęciami „sztuki” i „sztuki”. Sztuka, sztuka, umiejętności, rzemiosło, artyzm oznaczane są w ten sam sposób (sztuka angielska, francuska, włoska arte, niemiecki Kunst). Dlatego w estetyce zachodnioeuropejskiej rozwinęły się różne relacje kategoryczne, co szczególnie negatywnie odbija się na teoriach sztuki współczesnej. Na przykład pojęcie „obiekt sztuki” może oznaczać wszystko: dzieło sztuki piękne lub niesztuczne, dadaizm, instalacje, body art, ready-made, często bez estetyki,ani właściwości artystycznych. Najbardziej zwięzłe określenie: „Twórczość artystyczna jest częścią kultury, działalności człowieka (psychicznego i materialnego) tworzenia artystycznych obrazów „świata humanizowanego”, który odzwierciedla najwyższą, duchową rzeczywistość”.

Historia

Pierwotna działalność malarska człowieka nie miała charakteru estetycznego i artystycznego we współczesnym znaczeniu tych słów ze względu na synkretyzm (nierozłączność) pierwotnych funkcji: rytualnej, magicznej, poznawczej, edukacyjnej, komunikacyjnej, twórczej (technicznej). Walory estetyczne obrazów również zostały opracowane i zrealizowane znacznie później. Świadczą o tym przekonująco malowidła naskalne przedstawiające „naturalny styl prymitywnych myśliwych” oraz tzw. „naturalny model bestii”. Nawet w starożytności „sztuka” jest nadal integralna, nie wyróżniają się z niej ani estetyczne, ani artystyczne, ani poznawcze, ani „produkcja” (funkcje techniczne). Dedal był uważany za pierwszego mitologicznego artystę, ale był zarówno rzeźbiarzem, odlewnikiem, jak i rzemieślnikiem-wynalazcą.W starożytnym Egipcie artyści dekorowali grobowce i kamienne domy, a rzemiosło artysty było ściśle związane z produkcją farb. W starożytnym Egipcie tworzenie obrazów uważano za akt magiczny, a artystów czczono na równi z kapłanami. Starożytni Grecy rozumieli sztukę jako każdą dobrze wykonaną pracę, rzemiosło. Nie dzieląc pojęć wartości materialnej, estetycznej i artystycznej, określili ją jednym słowem „techne”. AF Losev napisał: „Starożytni na ogół bardzo słabo rozczłonkowali sztukę i rzemiosło, a także sztukę i aktywność umysłową, naukę lub, jak powiedzieli Grecy, mądrość… Homer nie zna ani rzeźby, ani malarstwa” jako niezależnych rodzajów sztuki, ale szczegółowo opisuje "Różne rodzaje wyrobów artystycznych... Sztuka w Homerze jest całkowicie tożsama z rzemiosłem,i nie ma tu możliwości narysowania wyraźnej linii między jednym a drugim.” Nawet w klasycznej Grecji bóg Apollo patronował całemu kompleksowi „muzyki” (później: pięknej) i „sztuk technicznych” (w tym nauki i rzemiosła). I dopiero stopniowo „sztuki mechaniczne”, którym patronowali Atena i Hefajstos, zostały oddzielone od „kompleksu muzycznego”. W średniowieczu malarze ikon i freski, na przykład Andriej Rublow, zgodnie z tradycją kościelną, odzwierciedlali „poza”, niepojętą boską istotę, a zatem nie byli w pełni uważani za autorów swoich dzieł. Dopiero we Włoszech, w okresie renesansu, zaczęły się intensywnie rozwijać morfologiczne procesy samookreślenia różnego rodzaju, typów, odmian i gatunków sztuki, kształtowania się osobowości wolnego artysty-twórcy,samodzielne nawiązywanie relacji biznesowych z klientem. Jednocześnie domagano się prawa artysty do „pisania opowiadań”. Ale przez długi czas główną funkcją była mimetyczna (imitacyjna), a nie kompozycyjna funkcja sztuk pięknych. Ukształtowała się sztuka „sztalugowa”, malarstwo i rzeźba zostały oddzielone od przestrzeni architektury i rzemiosła technicznego: artyści stopniowo uwalniali się od zależności od cechu rzemieślniczego.

Cechy zawodu

Wpływ koniunktury na artystę

2000s

Zdaniem krytyka sztuki NO Tamruchi w połowie lat 2000 większość artystów kierowała się racjonalnymi stosunkami handlowymi, a tworzenie rzeczy absolutnie niekomercyjnych było w ich życiu rzadkim, nieokreślającym zjawiskiem – w tym samym wywiadzie przekonywała Natalia Tamruchi. że przypadki, w których artyści mogli być obojętni na otoczenie społeczne, były w tamtych czasach niezwykle rzadkie, ponieważ „wolni artyści” byli bardziej zależni od pieniędzy i krytyki niż ich skomercjalizowani koledzy rzemieślnicy: Artysta, który swobodnie tworzy, jest bardziej zależny od portfela niż kreatywny rzemieślnik ... Ponieważ rzemieślnik – architekt lub projektant – dostaje zapłatę jako pierwszy. I to już nie zależy od nich. To, co zrobi po otrzymaniu zamówienia i sporządzeniu umowy, zależy tylko od tego, do czego jest zdolny. A oto niezależny artysta,jeśli chce zdobyć pieniądze na swoją pracę, to w procesie jej tworzenia musi brać pod uwagę gusta publiczności, gusta właściciela galerii, gusta krytyków, czyli środowiska… oczywiście chce się ruszać, chce odnosić sukcesy jako artysta. Menedżer sztuki i właściciel galerii Marat Gelman wyznał inny punkt widzenia, w 2008 roku argumentował, że w momencie, gdy środowisko zewnętrzne zaczęło dyktować, jakiej sztuki potrzebuje, współczesna artystka oparła się jej: Kule żywiące się sztuką w pewnym momencie zaczynają pożądać wpływać na sztukę iw tym momencie artysta zaczyna budować granice niepenetracji: poznaj swoje miejsce. Jednak w aspekcie historycznym Marat Gelman przyznał, że artysta musiał brać pod uwagę specyfikę polityki i rynku: Patrząc historycznie, sztuka jest wieczna, a rynek ma różne formy.A rynek ma sens tylko jako sposób na finansowanie sztuki. Pieniądze to krew sztuki. Kiedyś jedynym klientem był kościół, trzeba było odpowiadać na próbki, otrzymać zamówienie, brać udział w intrygach. Potem była epoka oświecenia, oświeceni władcy finansowali sztukę, trzeba było odgadnąć ich gusta... Całkiem możliwe, że rynek zmieni swoje formy.

2010s

Na początku 2010 roku menedżer sztuki Viktor Misiano uważał, że praktyka artystyczna w Rosji odzwierciedla sytuację polityczną, więc jest poszukiwana albo jako zasób propagandowy, albo jako przemysł luksusowy i rozrywkowy, kurator podkreślił również niektóre cechy tego okresu, na przykład: Odpowiadając Na pytanie, czy kryzys był korzystny dla sztuki rosyjskiej, Victor Misiano odpowiedział: Podobny punkt widzenia, że ​​kryzys będzie korzystny dla sytuacji artystycznej, już słyszałem. Myślę jednak, że jeśli artyści pomyślą o rynku jako o optymalnym kontekście dla swojej sztuki, to w okresie spowolnienia gospodarczego raczej się nie zmienią: będą po prostu próbowali dostosować się do nowych warunków rynkowych. Jednocześnie ujawnia się sam fakt, że nasza opinia publiczna kojarzy z kryzysem pewną pozytywną perspektywę. To znaczy,że dla niego rozwój sztuki w taki czy inny sposób odbywa się wyłącznie za pomocą pieniędzy! Nie o to powinno martwić się środowisko artystyczne.

Notatki (edytuj)

Spinki do mankietów

Strona dla ilustratorów książek dla dzieci

Original article in Russian language