Symfonia

Article

February 6, 2023

Aby zapoznać się z relacjami między kościołem a państwem, zobacz Symfonia (teologia) . W zachodniej muzyce klasycznej symfonia to rozbudowany utwór muzyczny, prawie zawsze napisany na orkiestrę. Zwykle zawiera co najmniej jedną część lub część części napisaną zgodnie z zasadami sonaty. Wiele symfonii to utwory tonalne w czterech aktach, z pierwszym aktem w formie sonaty, co teoretycy muzyki często opisują jako strukturę symfonii „klasycznej”. Chociaż wiele symfonii jest znanych ze swojej klasycznej formy, skomponowanych przez wielkich muzycznych artystów, takich jak Joseph Haydn, Wolfgang Amadeusz Mozart i Ludwig van Beethoven, niektóre z nich nie pasują do tego modelu. Symfonia jest rozbudowaną kompozycją na orkiestrę i zwykle składa się z czterech części. Pod względem budowy formalnej jest tożsama z klasyczną sonatą instrumentalną, a różnica między tymi dwoma gatunkami muzycznymi polega właśnie na tym, że sonata ma charakter kameralny, skomponowana na jeden lub dwa instrumenty, rzadko na trzy lub więcej (np. sonata na orkiestrę smyczkową), a symfonia na większy zespół instrumentalny - Orkiestra. Jeden cytat wielkiego mistrza muzyki symfonicznej schyłku epoki muzycznego romantyzmu mówi wszystko o symfonii w zwięzłej formie: Symfonia powinna być jak opowieść. Symfonia powinna zawierać wszystko. Gustav Mahler (1860 – 1911), kompozytor i dyrygent

Pochodzenie nazwy

Słowo symfonia pochodzi od greckiego słowa σύμφωνος (symfonia), co oznacza „zgodę lub harmonię dźwięku” oraz „koncert muzyki wokalnej lub instrumentalnej”, od σύμφωνος (simfōnos). To greckie słowo jest używane do opisania instrumentu wspomnianego w Księdze Daniela. Uczeni kiedyś wierzyli, że dudy to słowo identyfikowane z tego pisma. Jednak niedawna opinia naukowa wskazuje, że słowem, o którym mowa w Księdze Daniela, jest siphonia (od greckiego σίφων syfon, „fajka”) i dochodzi do wniosku, że dudy nie istniały w tak wczesnym czasie. W późnej greckiej i średniowiecznej teorii słowo to było używane do opisania harmonii dźwięku, w przeciwieństwie do διαφωνία ( diaphōnia ), które było słowem oznaczającym dysonans. W średniowieczu i później łacińską formą nazwy symfonia określano różne instrumenty, m.in. zwłaszcza te zdolne do wydawania więcej niż jednego dźwięku jednocześnie. Izydor z Sewilli jako pierwszy użył słowa symfonia, nazywając typ bębna dwugłowego. Od 1155 do 1377 francuska forma nazwy symfonii to organistrum lub vergl. W późnośredniowiecznej Anglii nazwa symfonia była używana w obu tych znaczeniach, podczas gdy w XVI wieku była utożsamiana z cymbałami. W języku niemieckim nazwa symfonia oznaczała szpinety i wirginale od końca XVI do XVIII wieku. W sensie „brzmienia razem” słowo to zaczyna pojawiać się w tytułach niektórych XVI i XVII-wiecznych dzieł kompozytorów, takich jak Giovanni Gabrieli z jego Sacrae symphoniae, Symphoniae sacrae i Liber Secundus, opublikowanych w 1597 i 1615 r., odpowiednio wtedy; Adriano Banchieri z „Ecclesiastiche Sinfonie dette Canzoni in aria francese, po sonare, et cantare, op. 16", wydany w 1607 w Wenecji, Lodovico Grossi Da Viadana z „Sinfonie musicali, op. 18”, wydaną w 1610 r., oraz Heinricha Schulza z „Symphoniae sacrae op. 6” i „Symphoniarum sacrarum secunda pars op. 10”, wydanych w 1629 i 1647 r. Oprócz zbioru Viadana, który zawierał muzykę czysto instrumentalną i świecką, są to wszystkie zbiory utworów duchowych i chóralnych, z których część towarzyszyła akompaniamentowi instrumentalnemu. W XVII wieku, głównie w okresie W okresie baroku terminy symfonia i symfonia były używane w odniesieniu do wielu różnych dzieł, w tym kompozycji instrumentalnych używanych w sonatach operowych i koncertach, które zwykle były częścią większego dzieła. Do XVIII wieku sinfonia operowa, czyli uwertura włoska, miała standardową strukturę trzech kontrastujących ze sobą aktów: szybkiego, wolnego, szybkiego i ruchu tanecznego. Jest to forma często uważana za prekursora symfonii orkiestrowej. Terminy „uwertura”,

Historyczny rozwój muzyki symfonicznej

Muzyka symfoniczna to z pewnością najbardziej luksusowa dziedzina muzycznej kreacji. Przede wszystkim dotyczy to muzyki na orkiestrę, do której często dołączają soliści wokalno-instrumentalni oraz chór. Chociaż słowo SYMFONIA ma wiele innych znaczeń. Muzyka symfoniczna przeszła wiele etapów rozwoju, począwszy od pierwszych form w epoce baroku i klasycyzmu, aż po dzień dzisiejszy. Swoją klasyczną formę uzyskała w czasach Haydna i Mozarta. A kompozytorzy - romantycy nadali mu największe wymiary i wyżyny artystyczne. Podsumowując, muzyka symfoniczna była i pozostaje najpotężniejszą formą artystycznego wyrazu mistrzów muzycznych wszystkich epok.

Wczesne formy symfoniczne

Słowo symfonia zwykle oznacza utwór muzyczny napisany na zespół muzyczny składający się z kilku instrumentów i wykonawców. W swojej pierwotnej formie oznacza harmonię, jest to zatem udział kilku muzyków i kilku instrumentów w prezentacji utworu muzycznego lub dźwięków muzycznych. Ale słowo symfonia ma też inne znaczenie, które prowadzi nas do jego początków w starożytności. W starożytnym Rzymie termin ten oznaczał zamkniętą przestrzeń na scenie, zarezerwowaną dla wykonawców instrumentalnych lub pojedynczego zespołu instrumentalnego. Składał się z aulos, siringów (rodzaj starożytnych fletów), gitary, formixu, talerzy i kastanietów zwanych scabilum, które wyznaczały rytm. Ten zespół instrumentalny towarzyszył ówczesnym rzymskim pantomimom. Znaczenie współczesnego gatunku muzycznego, jakim jest symfonia, nabyło się na początku XVII wieku. Stało się to mniej więcej w tym samym czasie, kiedy z chęci wskrzeszenia śpiewanej tragedii starożytnej Grecji narodziła się opera. Tyle że opera ma wtedy swoją własną, bardziej intensywną ścieżkę rozwoju, podczas gdy symfonia rozwijała się stopniowo, wyłaniając się z modnych wówczas form muzycznych. Za pierwsze dzieło tego rodzaju uważa się zbiór Symfonii muzycznej na osiem głosów, napisany i opublikowany przez kompozytora Lodoviko Viadanę w 1610 roku. Jest to utwór napisany w duchu ówczesnego polifonicznego madrygału, z elementami muzyki koncertowej. A potem, w XVII i pierwszej połowie XVIII wieku, powstały utwory instrumentalne zwane symfoniami, które zawierają w sobie ducha barokowego koncertu i uwertury operowej (tempo szybko-światło-szybko). Wybitnymi kompozytorami tego gatunku byli Vicenco Albriči (twórca pierwszych utworów instrumentalnych, które nazwano „symfonią” i miały swój „numer”), Heinrich Schitz (znany z wokalu „Sinfone Sacrae” – „Spiritual Symphonies”) i Tommaso Albinoni, który jako pierwszy wprowadził menuet jako czwartą część symfonii. Tworząc swoje Inwencje trójdzielne i symfonie na klawesyn lub organy, Jan Sebastian Bach rozszerza tę formę na muzykę kameralną, która zostanie przyjęta ze szczególnym szacunkiem w jego twórczości dopiero przez kompozytorów XX wieku.

Powstanie klasycznej symfonii

W połowie XVIII wieku symfonia ukształtowała się jako samodzielna forma muzyczna, napisana na orkiestrę. Największe zasługi miał wówczas kompozytor i dyrygent Jan Vaclav Štamić i jego orkiestra, zwana od nazwy miasta Mannheim School. Symfonia składa się z trzech oddzielnych części - dwóch szybkich, bocznych allegro i jednego środkowego adagio, które następnie zostały zaakceptowane i rozwinięte przez Haydna i Mozarta, nadając symfonii dojrzałą klasyczną cechę czterech części. Wraz z Haydnem i Mozartem ostatecznie ukształtowała się muzyka symfoniczna. Joseph Haydn, pierwszy wielki mistrz klasycyzmu muzycznego i pierwszy w słynnym I triumwiracie wiedeńskim (Haydn, Mozart, Beethoven), ostatecznie odkrył i ustanowił klasyczną formę muzyki symfonicznej. Podobnie jak Mozart rozwinął ją z odziedziczonej krótkiej trzyczęściowej formy z epoki przedklasycyzmu, do dojrzałej i rozbudowanej formy czteroczęściowej (introdukcja adagio, allegro - andante - menuet - rondo, finał). Można śmiało powiedzieć: gdyby Haydn nie ustanowił klasycznej formy symfonicznej, Mozart nie stworzyłby swoich najlepszych późniejszych dzieł, a Beethoven nie znalazłby inspiracji dla finału swojej IX (a znalazł ją m.in. Andante, druga część II Symfonii Haydna!). Obecnie znanych jest łącznie 106 symfonii Josepha Haydna i wszystkie odzwierciedlają drogę rozwoju muzyki symfonicznej w XVIII wieku, aż do pojawienia się jednego Beethovena. Większość wcześniejszych symfonii została skomponowana na domowe koncerty księcia Esterhazego, gdzie Haydn służył do 1790 roku. Haydn podniósł formę symfoniczną do jej rozwiniętego poziomu klasycznego. W swoich symfoniach Haydn wykorzystywał materiał tematyczny oparty na stylu ludowym. Haydn uprościł materiał muzyczny w częściach swoich symfonii i ponownie, zgodnie ze swoim muzycznym mistrzostwem, nadał mu bardziej złożoną strukturę tonalną, zbliżając go do architektury muzycznej. Typowe dla stylu symfonicznego Haydna jest też to, że często podkreślał poszczególne nuty lub motywy z tematów i skutecznie je rozwijał, zwłaszcza w ściśle sonatowej części pierwszej (ma też lekki wstęp przed częścią pierwszą sonaty, także osiągnięcie Haydna). W symfoniach Haydna jedynie część trzecia, menuet, zachowała naiwny charakter tańca ludowego. Chociaż menuet był używany w symfonii także przez poprzedników Haydna (pierwszym, który go wprowadził, jak widzieliśmy, był Tommaso Albinoni), dopiero u Haydna staje się on pełnoprawną integralną częścią symfonii, przygotowując nadejście Beethovena scherzo. Lekkie ruchy Haydna wyróżniają się także stylem, w którym melodie, często bardzo proste, wypracowany w technice wariacji, którą dopiero później przejął i mocno rozwinął muzyczny geniusz Beethovena. nagłe pojawianie się pauz (co jest szczególnie charakterystyczne dla końcowych części symfonii Haydna), zapewniły Haydnowi zaszczytne miejsce w historii muzyki, a przede wszystkim w antologii muzyki symfonicznej i wskazały drogę, jaką podążali twórcy w późniejszych muzycznych epoki. Wraz z Haydnem Wolfgang Amadeus Mozart tworzył także muzykę symfoniczną opartą na formach dziedzicznych. Podobnie jak Haydn, zaczął od krótkiej trzyczęściowej formy pierwszej połowy XVIII wieku i stworzył prawdziwe arcydzieła dojrzałego czteroczęściowego klasycyzmu symfonicznego. A na przejściu od XVIII do XIX wieku Beethoven wychodzi z punktu, do którego doszli Haydn i Mozart, i jako pierwszy znacznie rozszerzył formę symfoniczną. Szarmancki menuet, zastąpiony jego „przyspieszoną” wersją „scherzo”, nadając tej postawie mocniejszy, bardziej dramatyczny zarys. Muzyka symfoniczna otrzymuje w ten sposób nową, jeszcze bardziej znaczącą ścieżkę rozwoju, która w dobie muzycznego romantyzmu XIX wieku prowadzi do powstania nowych form symfonicznych lub wzbogacenia starych, a także do znaczącej ekspansji symfonii klasycznej. do monumentalnych rozmiarów.

Symfonia na przestrzeni wieków

Symfonia w XVIII wieku

Forma, którą znamy dzisiaj jako symfonię, rozwinęła się na początku XVIII wieku. Zwykle uważa się, że rozwinęła się z uwertury włoskiej , trzyczęściowego utworu używanego w otwartych operach, często używanego przez Alexandra Scarlattiego . Innym ważnym prekursorem symfonii jest koncert ripieno , stosunkowo mało zbadana forma podobna do koncertu na smyczki i continuo, ale bez instrumentów solowych. Najwcześniejsze znane koncerty ripieno są autorstwa Giuseppe Torelli (jego zbiór 6 koncertów ripieno, op. 5 z 1698 r.). Tego typu dzieła pisał także Antonio Vivaldi. Być może najbardziej znanym koncertem ripieno jest III Koncert brandenburski Jana Sebastiana Bacha.Wczesne symfonie, a także uwertury i koncerty włoskie składają się z trzech części, w tempie szybko-wolno-szybko. Jednak w przeciwieństwie do koncertu ripieno, który wykorzystuje zwykłą formę koncertu ritornello, przynajmniej pierwsza część tych symfonii była w jakiejś formie binarnej. Symfonie różnią się od uwertur włoskich tym, że są pisane bardziej z myślą o wykonaniach koncertowych niż jako przedstawienie dzieła teatralnego. Chociaż przez większą część XVIII wieku terminy uwertura i symfonia były używane zamiennie, utwór pierwotnie napisany w jednej formie był czasem później używany w drugiej. Zdecydowana większość tych wczesnych symfonii została skomponowana w tonacji durowej. Symfonie w tym czasie, czy to na koncert, operę, czy do użytku kościelnego, nie były głównymi utworami w programie. Często, podobnie jak w przypadku koncertów, są one podzielone na inne utwory lub zaczerpnięte z suity lub uwertury. Muzyka wokalna była uważana za główne przeżycie muzyczne, a symfonie miały dostarczać po śpiewie preludiów, interludiów i postludiów. W tym czasie większość symfonii była stosunkowo krótka, i trwały od 10 do 20 minut. „Włoski” styl symfonii, często używany jako uwertura i entrakt w teatrach operowych, stał się standardową formą w trzech częściach: szybkiej, „Allegro”, wolniejszej, a następnie jeszcze szybszej. W tej formie komponowane były wczesne symfonie Mozarta. Wczesna forma 3-taktowa została ostatecznie zastąpiona formą 4-taktową, która była najbardziej rozpowszechniona w drugiej połowie XVIII wieku i przez większą część XIX wieku. Ta symfoniczna forma była pod wpływem praktyki germańskiej i byłaby kojarzona z „klasycznym stylem” Haydna i Mozarta. Ważnymi zmianami było dodanie ruchu „tanecznego” oraz zmiana charakteru części pierwszej na „pierwszą wśród równych”. Forma normalna z 4 częściami staje się wtedy: Szybka, w formie binarnej lub później w formie sonatowej Część wolna Menuet i trio (później rozwinęło się w scherzo i trio), w formie trzyczęściowej Szybka, czasem w formie sonatowej. Inne popularne możliwości to forma rondo lub sonata-rondo. Nawet w połowie XVIII wieku wariacje na temat tej formy symfonicznej nie były rzadkością, w szczególności dwie środkowe części czasami zamieniały się miejscami lub dodawano powolny wstęp w początek, czasem prowadzący do formy czteroczęściowej, wolno-szybko-wolno-szybko.Pierwsza symfonia, w której menuet jest przedstawiony jako część trzecia, pojawia się w utworze D-dur z 1740 r. Georga Matthiasa Mohna. Jest to jednak odosobniony przykład: pierwszym kompozytorem, który konsekwentnie używał menueta jako części czteroczęściowej formy, był Johan Stamic. Dwa główne ośrodki pisania wczesnych symfonii to Wiedeń, z przedstawicielami pisarstwa wczesnych form symfonicznych, takimi jak: Georg Christoph Wagenseil, Wenzel Raymond Birk i Georg Matthias Mohn oraz Mannheim, ośrodek tzw. szkoły mandżaimów. Symfonie powstawały w całej Europie, z aktywnymi kompozytorami we Włoszech, takimi jak Giovani Battista Samartini, Andrei Lucchesi i Antonio Brioschi, następnie Carl Philipp Emmanuel Bach w północnych Niemczech, Leopold Mozart w Salzburgu, François-Joseph Gosek w Paryżu, Johann Christian Bach i Carl Friedrich Abel w Londynie. Późniejsi ważni wiedeńscy kompozytorzy symfonii to: Johann Baptist Vanhal, Karl von Dieters Dietersdorf i Leopold Hofmann. Najważniejszymi symfonikami drugiej połowy XVIII wieku byli Józef Haydn, który w ciągu 40 lat napisał 106 symfonii, oraz Wolfgang Amadeus Mozart. Ich liczne, często wykonywane i naśladowane dzieła uważane są zwykle za apoteozę stylu klasycznego. François-Joseph Gosek w Paryżu, Johann Christian Bach i Carl Friedrich Abel w Londynie. Późniejsi ważni wiedeńscy kompozytorzy symfonii to: Johann Baptist Vanhal, Karl von Dieters Dietersdorf i Leopold Hofmann. Najważniejszymi symfonikami drugiej połowy XVIII wieku byli Joseph Haydn, który w ciągu 40 lat napisał 106 symfonii, oraz Wolfgang Amadeus Mozart. Ich liczne, często wykonywane i naśladowane dzieła uważane są zwykle za apoteozę stylu klasycznego. François-Joseph Gosek w Paryżu, Johann Christian Bach i Carl Friedrich Abel w Londynie. Późniejsi ważni wiedeńscy kompozytorzy symfonii to: Johann Baptist Vanhal, Karl von Dieters Dietersdorf i Leopold Hofmann. Najważniejszymi symfonikami drugiej połowy XVIII wieku byli Joseph Haydn, który w ciągu 40 lat napisał 106 symfonii, oraz Wolfgang Amadeus Mozart. Ich liczne, często wykonywane i naśladowane dzieła uważane są zwykle za apoteozę stylu klasycznego.

Symfonia w XIX wieku

Pod koniec XVIII wieku za główną formę muzyki koncertowej uznano muzykę wokalną, zwłaszcza kantaty i opery, a następnie koncerty. Wraz z rozwojem stałych orkiestr symfonia zajmuje coraz większe miejsce w życiu koncertowym. Okres przejściowy trwał od 1790 do 1820 roku. Dla Ludwiga van Beethovena jego pierwszy koncert akademicki miał jako główne dzieło „Chrystus na Górze Oliwnej”, a nie dwie symfonie i koncert fortepianowy, które wykonał na tym samym koncercie. Beethoven przeniósł symfonię na niezbadane terytorium, rozszerzając, często dramatycznie, wszystkie jej części. Jego 9 symfonii wyznaczyło standardy pisania symfonii dla następnych pokoleń. Po dwóch symfoniach, które zostały napisane w stylu Haydna, jego symfonia nr. 3 (Eroica), ma skalę i rozpiętość emocjonalną odróżniającą ją od wcześniejszych utworów, często przytaczany jako przykład wprowadzenia w okres romantyzmu. IX Symfonia robi bezprecedensowy krok naprzód, włączając partie wokalnych solistów i chór w ostatniej części. Beethoven, wraz z Franzem Schubertem, był również tym, który zastąpił wypolerowany menuet żywszym scherzo jako częścią wewnętrzną (zwykle trzecią z czterech części). Scherzo, z większym zakresem ekspresji emocjonalnej, bardziej pasowało do stylu romantycznego. Następna generacja symfonistów chciała połączyć rozszerzone słownictwo harmoniczne opracowane przez kompozytorów chromatycznych, takich jak John Field, Ludwig Spohr i Carl Maria von Weber, z innowacjami strukturalnymi Beethovena. Robert Schumann i Felix Mendelssohn to dwaj czołowi kompozytorzy germańscy, których dzieła próbowały tego zjednoczenia. Jednocześnie pojawia się bardziej eksperymentalna forma pisarstwa symfonicznego, która zawiera większą liczbę symfonii o znaczeniu tekstowym lub specjalnych programach. Podczas gdy „symfonie programowe” pisane już w 1790 r., ich miejsce i rola rozszerzyły się o „Symphonie fantastique” Hectora Berlioza z 1830 r. oraz symfonie programowe Liszta, takie jak Symfonia Dantego i Symfonia Faustowska, obie z 1857 r. jest ogólnie nazywany okresem „romantycznym”, kończącym się w połowie XIX wieku. Chociaż termin „romantyczny” był często używany w muzyce do opisania okresu muzycznego od Beethovena do Siergieja Rachmaninowa. W drugiej połowie XIX wieku symfonie często wykorzystywały bardzo rozbudowane części, często w ścisłej formie sonatowej. Johannes Brahms, który za punkt wyjścia posłużył się Schumannem i Mendelssohnem, ustanowił standard komponowania symfonii o bardzo wysokim poziomie strukturalnej jedności. Jednocześnie symfonie wydłużały się i stały się podstawą do ekspansji licznych orkiestr symfonicznych. Inni ważni symfonicy końca XIX wieku to: Anton Bruckner, Felix Draesek, Antonin Dvorak, Piotr Iljicz Czajkowski i Camus Saint-Saens. Pod koniec XIX wieku francuscy organiści, tacy jak Vidor, nazywali niektóre ze swoich kompozycji organowych symfoniami: „romantyczny” typ organów, na których grali (jak te zbudowane przez Cavalier-Cole), pozwalał na całkowicie orkiestrowe podejście i brzmienie, więc te kompozytorzy nie uważali swoich symfonii za gorsze od symfonicznych. W przypadku Vidora, a zwłaszcza Virne, znacznie rzadziej można usłyszeć ich symfonie „wyłącznie orkiestrowe” (z których jedną napisał Virne,

Symfonia XX wieku

W XIX wieku symfonie stawały się coraz większe, zarówno pod względem czasu trwania, jak i wielkości orkiestry. Rozwój ten zakończył się wraz z Gustavem Mahlerem na początku XX wieku. W XX wieku pojawiły się nowe zmiany w stylu i treści utworów, które kompozytorzy określają mianem „symfonii”. Pomysł, że symfonia jest ostateczną formą, która miała określone standardy, zostaje zniszczony, a zamiast tego staje się jakimkolwiek większym dziełem orkiestrowym, które jego kompozytor postrzega i jako takie określa. Podczas gdy niektórzy kompozytorzy, tacy jak Siergiej Rachmaninow i Karl Nielsen, nadal pisali w tradycyjnej 4-częściowej formie, inni kompozytorzy przyjęli inne podejście. Gustava Mahlera, którego II Symfonia została napisana pod koniec XIX wieku w pięciu częściach. Kontynuował pisanie dzieł w formie powieści: jego III Symfonia, podobnie jak druga, zawiera partie solistów i chór, składa się z 6 części, piątej, siódmej i dziesiątej. symfonia w 5 częściach i VIII symfonia, która w innej epoce prawdopodobnie zostałaby nazwana kantatą lub oratorium, składa się z dwóch dużych części, w których śpiewacy śpiewają przez cały czas trwania utworu. Ostatnia VII Symfonia Jana Sibeliusa ma tylko jedną część. Pomimo tej różnorodności pewne tendencje pozostały, ponieważ symfonie wciąż ograniczają się do utworów na orkiestrę. Partie śpiewu były czasami używane z orkiestrą, ale rzadko z użyciem instrumentów solowych, co było prawie nieznane. Godnymi uwagi wyjątkami są „symfonie organowe” skomponowane na organy solo przez francuskich kompozytorów, takich jak Louis Verne i Charles-Marie Vidor, którzy wykorzystują moc i zwiększone zasoby współczesnych organów do reprezentowania wykonania orkiestrowego. Wraz z ekspansją czegoś, co można by uznać za symfonię, w latach 20 wieku nastąpił wzrost liczby dzieł, które można by rozsądnie nazwać symfoniami, ale którym kompozytorzy nadali inną nazwę. Koncert na orkiestrę Béli Bartóka jest tylko jednym z takich przykładów (Bartók nigdy nie napisał utworu, który nie nazwałby go symfonią). „Das Lied von der Erde” Mahlera jest śpiewane przez cały utwór, ale słusznie można go nazwać symfonią. Niektórzy kompozytorzy dzisiaj nadal piszą utwory, które nazywają „symfoniami” (na przykład Philip Glas napisał osiem od 2005 roku). W XX wieku symfonia ma tendencję do bycia mniej rozpoznawalną formą z własnymi konwencjami i normami, a bardziej etykietą stosowaną przez kompozytorów do utworów orkiestrowych o pewnych ambicjach, a nawet dzieł nieorkiestrowych. Na przykład Glen Branca komponuje symfonie na gitarę elektryczną i perkusję,

Charakterystyka symfonii

Główne cechy symfonii klasycznej, jaka istniała do końca XVIII wieku w świecie niemieckojęzycznym, to: 4 części, z których pierwsza byłaby zwykle częścią szybką w formie sonatowej, druga część wolna, trzecia lub menuet i trio lub trzyczęściowe (scherzo) taneczne w „prostym” trójdzielnym metrum, zakończone czwartą, szybką częścią w formie ronda i/lub sonaty. Instrumentalny, grany ze stosunkowo średniej wielkości orkiestrą, powszechną w tamtych czasach. Po tym, jak Beethoven zaczął eksperymentować ze strukturą ruchową i cechami programowymi w swojej VI Symfonii, by później dodać śpiewaków w ostatniej części IX Symfonii, możliwości kształtowania formatu symfonicznego stały się nieograniczone. Począwszy od wczesnego romantyzmu epoki, na przykład: „Więcej odmian w strukturze części”: więcej części i / lub wielowarstwowa struktura części (Berlioz, Romeo i Julia; Mahler, II i VIII symfonia), struktura jednoczęściowa i/lub części ciągłe (Sibelius, VII Symfonia, Richard Strauss, Symfonia Alpejska; Karl Nielsen, IV Symfonia) „Więcej odmian instrumentacji”: małe typowe orkiestry w czasach romantyzmu (Berlioz, Mahler, Bruckner), śpiew solowy i / lub chóralny rozszerzony na kilka lub wszystkie części symfonii (Mendelssohn, 2. symfonia, Berlioz, Romeo i Julia; Szostakowicz 14. symfonia; Mahler, 8. symfonia). Niezwykłe lub nowe instrumenty (krowie dzwonki i gitara w VI Symfonii Mahlera). „Symfonie nie na orkiestrę symfoniczną” (symfonie grane na jednym organie, takie jak Charles-Marie Vidor i Louis Verne oraz solowa symfonia fortepianowa Charlesa-Valentina Alkana). „Rozszerzona warstwa programowa”: nawet po poematach tonowych, które oderwały się od gatunku symfonicznego jako takiego,

Specyficzne formy symfoniczne

Oprócz tego, co jest typowe dla symfonii – jest to utwór napisany na orkiestrę, podzielony na cztery części tworzące całość, w rozwoju muzyki symfonicznej pojawiają się również pewne specyficzne formy symfoniczne, które wprowadzają do muzyki symfonicznej pewne szczególne cechy. Formy te to: Symfonia koncertowa. W tego rodzaju muzyce symfonicznej do orkiestry dołączają instrumenty solowe, zwykle jeden, ale mogą być dwa, a nawet trzy. Symfonia koncertowa różni się od koncertu solowego tym, że zachowuje ustaloną formę symfonii, w ramach której występuje instrument solowy, wyrażający myśli muzyczne na równi z orkiestrą. Symfonia programowa. Ten rodzaj muzyki symfonicznej powstał w epoce muzycznego romantyzmu, w pierwszej połowie XIX wieku, a jego twórcą był Hector Berlioz. Symfonia programowa jest typowym przedstawicielem romantycznego błędu estetycznego zwanego muzyką programową, zgodnie z którym muzyka nie jest tylko abstrakcyjnym zbiorem dźwięków i głosów, ale opowiada przy ich pomocy historię. Główną inspiracją dla niej jest właśnie literatura - poezja i literatura. Forma, w jakiej tworzona jest symfonia programowa, może być ustalona, ​​jak w symfonii klasycznej, często jednak ulega znacznemu rozluźnieniu i zastąpieniu charakterystyczną myślą muzyczną, motywem muzycznym („leitmotiv” lub „fixed idea”), przebiegającym przez pewne modyfikacje w całej symfonii i można z tego całkowicie zrezygnować. Poemat symfoniczny. Jest drugim najważniejszym przedstawicielem „muzyki programowej”, której założycielem jest Franciszek Liszt. Jego cechy charakterystyczne to: jest pomyślany w jednym akapicie, jest bogaty w barwy orkiestrowe i czerpie inspiracje z historii, literatury i sztuki. Podstawową inspiracją dla poematu symfonicznego Liszta jest właśnie literatura - poezja i literatura. Wychodząc od dokonań Liszta, Richard Strauss wynosi poemat symfoniczny końca XIX wieku na najwyższe wyżyny artystyczne i realistyczne. Wulkan – symfonia instrumentalna. W tym gatunku symfonicznym wokalni soliści i chór (czasami tylko wokalni soliści lub tylko chór) dołączają do orkiestry w poszczególnych częściach lub w całym utworze. Pierwszym, który wprowadził te cechy do muzyki symfonicznej był Beethoven swoją IX Symfonią, co zostało następnie zaakceptowane przez wielu (choć nie wszystkich) wybitnych twórców XIX i XX wieku. I pozostaje bardzo stosowaną formą muzyki symfonicznej, należy jednak zaznaczyć, że podstawowym punktem wyjścia dla wszystkich form symfonicznych jest nadal symfonia klasyczna. Jego strukturę tworzą cztery części, z których część pierwsza jest zazwyczaj szybka, z lekkim wstępem i zbudowana w formie sonatowej (ekspozycja z dwoma tematami połączonymi przejściami, część rozwojowa, w której tematy te są zmienne i repryza, w której materiał tematyczny jest powtarzany, rekapitulowany), a kończy się kodem. Część druga ma charakter lekki lub umiarkowany, a część trzecia to najpierw figlarny menuet, a następnie scherzo (te dwie części często zamieniają się miejscami, więc część druga to scherzo, a część trzecia to część lekka). Ostatnia kwarta ma formę żartobliwego ronda lub sonaty i czasami może być wprowadzona lekkim wstępem. Kończy ją końcowa koda, będąca jednocześnie „koroną”, finałem całej symfonii. gdzie tematy te są zróżnicowane i powtarzane, gdzie materiał tematyczny jest powtarzany, rekapitulowany), a kończy się kodą. Część druga ma charakter lekki lub umiarkowany, a część trzecia to najpierw figlarny menuet, a następnie scherzo (te dwie części często zamieniają się miejscami, więc część druga to scherzo, a część trzecia to część lekka). Ostatnia kwarta ma formę żartobliwego ronda lub sonaty i czasami może być wprowadzona lekkim wstępem. Kończy ją końcowa koda, będąca jednocześnie „koroną”, finałem całej symfonii. gdzie tematy te są zróżnicowane i powtarzane, gdzie materiał tematyczny jest powtarzany, rekapitulowany), a kończy się kodą. Część druga ma charakter lekki lub umiarkowany, a część trzecia to najpierw figlarny menuet, a następnie scherzo (te dwie części często zamieniają się miejscami, więc część druga to scherzo, a część trzecia to część lekka). Ostatnia kwarta ma formę żartobliwego ronda lub sonaty i czasami może być wprowadzona lekkim wstępem. Kończy ją końcowa koda, będąca jednocześnie „koroną”, finałem całej symfonii. i czasami można go przedstawić przez lekkie wprowadzenie. Kończy ją końcowa koda, będąca jednocześnie „koroną”, finałem całej symfonii. i czasami można go przedstawić przez lekkie wprowadzenie. Kończy ją końcowa koda, będąca jednocześnie „koroną”, finałem całej symfonii.

Odniesienie

Literatura

Linki zewnętrzne

Chronologia symfonii 1730-2005 Lista wybranych głównych symfonii skomponowanych w latach 1800-2005, z udziałem kompozytorów symfonii XVIII wieku , głównie działających po 1800 r. - Część 2 Dość szczegółowa lista symfoników, głównie działających po 1800 r. - Część 3 Dość szczegółowa lista symfonistów, głównie działających po 1800 r. - Część 4

Original article in Serbian language